CONSULTORIO: CÓMO ESCRIBIR ESCENAS DE ACCIÓN

28 febrero, 2014

Rodaje de "Hispania La Leyenda". Foto: Natxo López

Por Natxo López

Hola Bloguionistas,

Tengo algunos guiones en desarrollo en diferentes estados de gestación, uno de ellos es una película de acción, pero nunca había escrito un guión de acción ni he leído ninguno y no sé muy bien cómo estructurarlo. Aunque yo estudié dirección, muy pronto aprendí que cuando escribo un guión lo correcto es escribirlo olvidándome de esa parte de mí, y aunque cada guión que escribo lo dirijo en mi cabeza, me gusta (y es lo correcto) escribir los guiones como si fueran para otro, si luego lo dirijo yo bien, y si no pues nada. El problema al que me enfrento es que, aunque tengo en mi cabeza esbozos de cómo serian las escenas de acción, sé que no es correcto escribir en los guiones planos y movimientos de cámara ni ninguna otra cosa que implique meterse excesivamente en el papel del director o coreógrafo o el que sea.

He intentado buscar guiones de películas de acción para ver cómo se estructuran, pero o no hay o no he sabido encontrarlos. ¿Cómo se supone que describo una secuencia de acción sin entrar en terrenos que no son del guionista? Además esta película es casi acción pura, si cada vez que hay una escena lo dejo en un simple “aquí hay una persecución entre estos dos personajes” o “aquí una pelea y el prota los revienta a todos”, el guión me ocupará 50 paginas, y no sé yo.

Dicho esto, si pudierais darme alguna pista o pasarme un par de enlaces donde sepáis que hay guiones de acción (se que es pedir demasiado pero en español seria la repanocha), os lo agradecería muy fuerte.

Y eso es todo, muchas gracias.”

Saludos, estimado lector.

Lo que planteas es una dificultad a la que nos enfrentamos con frecuencia los guionistas. Como en casi todo, no creo que haya una única forma de hacer las cosas. Hay directores que se ofenden si un guión incluye indicaciones técnicas sobre cómo debe rodarse una escena, y seguramente con razón, porque ése no es nuestro trabajo. Como principio general, un guionista debería limitarse a contar “qué es lo que pasa” sin preocuparse por el “cómo” se va a contar. Uno debe plantearse cuáles son los acontecimientos verdaderamente relevantes en una escena, y dejar al director consideraciones sobre la manera exacta de mostrarlo.

(Inciso – Debido a la dificultad de encontrar guiones en castellano, voy a incluir en el post un par de ejemplos de cosecha propia, espero que no resulte demasiado presuntuoso ni ofenda a nadie, sólo son ejemplos que tengo a mano. Eso sí, aconsejo a cualquier guionista en ciernes que haga un esfuerzo por aprender inglés o va a perderse demasiadas lecturas interesantes).

Aquí te incluyo parte de una escena de batalla que escribí para el último capítulo de la primera temporada de “Hispania” (dato curioso: por condicionantes de producción -las batallas de final e inicio de temporada se iban a rodar a la vez- nos vimos obligados a escribirla meses antes de tener el resto de la temporada desarrollada, así que luego tuvimos que ir acomodándonos a este final prefijado y un poco improvisado).

HISPANIA - CAPÍTULO 9 (23-11)

Puedes ver cómo quedó la escena rodada aquí, y comprobar cómo durante el proceso de grabación y edición se modificaron algunas cosas. Por ejemplo se entremezclaron mucho más las dos peleas finales, la de los ejércitos y la de Viriato con Galba, y se eliminó la idea de que los hispanos salían de los bosques, básicamente porque en el lugar elegido para rodar no había bosques, era una gran explanada. Pero de todas formas se mantuvo bastante fidelidad al espíritu del texto.

No pretendo decir que ésta sea la manera adecuada de escribir una escena de acción, ni mucho menos, pero es un ejemplo de una escritura sencilla, que no entra a describir cada una de las acciones violentas de los personajes, sino que trata de establecer los acontecimientos y giros decisivos en la lucha (en este caso, los romanos llevan ventaja en la lucha, hasta que se revela la trampa del ejército hispano y cambian las tornas).

Es cierto que en muchas escenas de acción la propia violencia puede convertirse en la protagonista principal y por lo tanto el guionista tampoco debe desdeñar la importancia de remarcar o explicitar ciertos hechos violentos. Lo importante, sin embargo, no es especificar hasta el mínimo detalle lo que sucede (golpes, caídas, tajos), sino sugerir la importancia y la presencia que debe tener cada momento.

Observa esta escena de “Children of men”, bastante famosa por ser un complejo plano secuencia.

Bien, ahora puedes leer el guión aquí (por desgracia, en inglés). La secuencia comienza en la página 34. Es interesante, en primer lugar, ver cómo acciones y diálogos han cambiado bastante en la escena rodada. Esto es algo que los guionistas debemos asumir: siempre van a modificarse cosas en el proceso de producción, máxime cuando se trata de secuencias de acción. En este caso creo que las aportaciones hacen que la escena gane en conjunto.

Fíjate (si te apañas algo con el inglés) cómo en el guión no hay ni una sola indicación sobre cómo debe filmarse la escena. La propuesta de rodarla en plano secuencia es responsabilidad del director. Lo que sí hace el guión es narrar los acontecimientos de la manera más límpida y clara posible, ordenándolos en el tiempo y haciendo hincapié en aquellos momentos relevantes.

¿Con qué recursos cuenta el guionista para hacer ese hincapié? Con el lenguaje. Y la escritura. No es lo mismo usar un verbo que otro. No es lo mismo escribir frases largas o cortas. Los signos de puntuación y de entonación están a nuestro servicio. Se trata de intentar condensar con palabras las impresiones y emociones que se supone que debe provocar la historia en la pantalla. Si uno consigue transmitir esas sensaciones, luego ya vendrá el director para decidir la mejor manera de traducirlas a imágenes.

Algunos recursos que podemos ver en esta secuencia escrita es el uso de MAYÚSCULAS para realzar determinadas palabras (BURNING CAR, ZEDS, WAR CRIES, MOTORCYCLE, RIFLE, SIRENS). Se realzan porque son importantes, porque deben impactar visual o sonoramente.

También se recurre a onomatopeyas (CRACK!, BANG!, WHACK!). Una forma de remitir rápidamente a un impacto sensorial.

Hay acciones violentas de múltiples personajes que no es necesario especificar. Narrativamente no es importante saber cuántos golpes están dando a un coche o cuántos enemigos se lanzan contra él, sino saber qué es lo que pasa: “CRACK! Sticks and fists pounding, bodies piling on…” (Palos y puños aporreando, cuerpos impactando…). La magnitud de esa violencia deberá decidirla el director, eligiendo el número de figurantes, de planos, de sonidos de golpes…

Una herramienta útil para el guionista es el uso del punto y aparte en las acciones. En escenas descriptivas y tranquilas, es frecuente escribir párrafos más largos y densos, mientras que en una escena de acción uno puede permitirse escribir lineas mucho más breves y fragmentar el texto. Ésa es una forma de sugerir velocidad, tensión y un montaje fragmentado… (una manera de dar indicaciones técnicas, sin darlas). Observa este fragmento de una escena del film “Looper”.

Looper Draft 3_2

Es casi como leer planos, una forma velada de sugerir un montaje. Incluso se puede llegar a escribir frases sueltas sin verbo “obligando” al lector a construir un montaje concreto en su cabeza o buscando crear sensaciones o imágenes a través de la lectura. “Kicking up dust. Lots of dust. Raising a cloud” (Levantando polvo. Un montón de polvo. Levantando una nube).

Aquí tienes otro ejemplo del guión del piloto televisivo “Ley de Sangre” (que puedes encontrar completo en la sección “guiones“). No es una escena de acción en sí misma (excepto al final), pero sí que para mí era importante procurar que la lectura creara inquietud y una cierta sensación de peligro, y así es como lo intenté:
LEY DE SANGRE - Capítulo 1 (09-04-2013)

Hay guionistas como J.J. Abrams que son muy dados a la acumulación y el uso recurrente de recursos expresivos. Cuanto más impactante es el momento, más debe remarcarse en el guión. Fíjate en esta escena del film “Super 8”. Se trata del momento del descarrilamiento del tren. Abrams no escatima en negritas, subrayados, exclamaciones y mayúsculas para decirnos “ojo, que esto va a ser algo GRANDE”.

Super 8-25

Ésta es una forma de escribir más moderna y algo “peliculera” que no gusta a algunos guionistas. En realidad se trata simplemente de diferentes estilos y maneras de escribir, y cada uno puede optar por utilizar aquellos recursos que más le ayuden a contar lo que tiene en su cabeza.

Obviamente, en films puramente de acción quizá la escritura sea más explícita que en otro tipo de guiones. Pero, insisto, no se trata de redactar cómo va a ser cada uno de los impactos y puñetazos, sino de condensar la mecánica interna de la acción. Cualquier buena secuencia de pelea entre dos personajes, por ejemplo, tiene una estructura interna (al igual que cualquier buena escena de diálogo). Lo importante es marcar esa estructura y las intenciones que la sustentan. El bueno empieza ganando, pero en un determinado momento el malo aprovecha una debilidad suya para coger ventaja, hay un cambio de ritmo en la lucha, o un cambio de localización, parece que el malo va a matar al bueno, pero un elemento X o la utilización del movimiento que le enseñó su maestro hace el que el bueno finalmente consiga vencer cuando ya nadie lo esperaba (excepto el espectador)… Esto es muy básico y muy tonto, vale, pero se entiende. No me interesa leer cuántos golpes exactamente van a intercambiar, y de qué tipo, sino “qué significan” esos golpes.

Para escribir estas secuencias es aconsejable, de hecho, trabajar mano a mano con el director o con los especialistas de acción. Incluso tengo entendido que en EEUU hay guionistas expertos en escribir este tipo de escenas, porque cuando se entra en detalles es fundamental saber qué es lo que se puede hacer y qué no, y cómo lograr que la acción sea epatante, original y factible. Y eso tiene mucho que ver con recursos de puesta en escena que no siempre son responsabilidad del guionista.


ENTREVISTA A PABLO REMÓN

27 febrero, 2014

Por Alberto Pérez Castaños.

Fotos de Flora González y Hugo Domínguez.

Pablo Remón es uno de los guionistas más reputados del cine español actual y, junto a su hermano Daniel, forma la pareja creativa responsable de películas como “Casual Day” o “Cinco metros cuadrados”, ambas dirigidas por Max Lemcke. Ahora, además de trabajar en otros proyectos con su hermano, ultima los detalles de su segundo cortometraje como director, “Todo un futuro juntos”, con Luis Bermejo y Julián Villagrán.

Sin embargo, la principal excusa para hablar un rato con Pablo Remón ha sido su debut teatral como autor y director con “La abducción de Luis Guzmán”. Tras estrenarse con éxito el pasado verano en el Festival Fringe de Madrid, ahora se ha reestrenado en el Teatro Lara, repitiendo el éxito en las funciones del mes de febrero. Si todavía no habéis tenido el placer de conocer a Luis Guzmán tendréis tres nuevas oportunidades los días 5, 12 y 19 de marzo. Creedme, merece la pena.

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“La abducción de Luis Guzmán” es tu primera obra de teatro. Es una historia ambientada en una pequeña ciudad de provincias, con conflictos familiares, relaciones sentimentales complicadas y fondo paranormal… ¿De donde nace esta mezcla de temas tan particular?

De lo que conozco. Yo nací en Madrid pero toda mi familia viene de distintos pueblos de Aragón. La gente allí tiene una forma de ser que me parece que tiene mucho que ver con la meseta. Las cosas no se dicen, no se hablan. Hay una corriente subterránea de asuntos sin verbalizar. Esto resulta muy teatral. Tenía en mente la casa de mis abuelos, con ese tipo de muebles oscuros, antiguos, depresivos… Este tipo de espacio me parecía muy sugerente para explicar a los personajes, y también para situar el fondo paranormal de la obra.

Luis Guzmán es el presentador de un programa radiofónico “decano” de temática paranormal, un apasionado del misterio y fanático de Carl Sagan, ¿es Pablo Remón un amante de lo oculto?

No he tenido nunca un interés especial en lo paranormal. Simplemente, lo paranormal, el interés por lo oculto, me resultaba útil para mostrar que Luis vive en otro mundo distinto al que le ha tocado. Ha tenido la capacidad de construirse un mundo aparte, una burbuja, una ficción que le aísla y al mismo tiempo le protege. Eso sí puedo entenderlo.

El texto está trabajado con los actores desde su inicio. ¿Cómo fue ese proceso de creación? ¿Nacieron los personajes con ellos o partisteis de unas personalidades determinadas?

Yo siempre he querido escribir una obra de teatro, pero no quería hacerlo partiendo de una idea teórica o de una estructura demasiado rígida. Lo que tenía de inicio era la imagen de dos hermanos –aunque al principio eran tres– y un padre que está ausente. No sabemos qué le ha pasado –tampoco yo lo sabía–. Había también una mujer, que llegaba de otro sitio.

Partí de estos personajes, del espacio y de que tenía claro que quería trabajar con estos actores –Emilio Tomé, Francisco Reyes y Ana Alonso–: sin ellos, la obra no existiría. Trabajamos con improvisaciones durante todo el mes de agosto de 2012. En esa primera fase, esencial, fuimos encontrando el tono justo de los personajes, probando sus relaciones, su manera de enfrentarse, de relacionarse. Partimos de situaciones, pero también de textos breves. Y, sobre todo, de textos que creamos colectivamente los actores y yo, una manera de escribir en escena que me resultó muy interesante. En ocasiones los actores improvisaban y yo me acercaba a ellos y les daba al oído la frase que quería escuchar de su boca. Era para mí́ la mejor manera de escribir: aquella en la que puedes probar en el momento, con actores, si lo que estás escribiendo se sostiene.

Grabamos todo este proceso en audio. A partir de ahí, yo me encerré con las anotaciones, mis recuerdos del taller de improvisaciones, y los audios y, partiendo de ese magma, escribí la obra. Esto fue la segunda fase del proceso: llegar a un texto cerrado (más o menos), escrito, que se mantuviera por sí mismo. Después llegamos a unos ensayos ya más convencionales, donde los actores fueron integrando el personaje que habían encontrado al texto concreto que yo les proponía.

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¿Dirías que es un proceso más costoso que el tradicional?

Puede ser, pero para este proyecto concreto yo quería trabajar así. Había un deseo de trabajar con un grupo de gente que nos conocíamos. Eso sí, existía la posibilidad de que no saliese nada.

Si no hubiese salido, ¿la hubieses escrito de otra manera? ¿Tenías un “plan B”?

No. Esto lo hemos hecho de esta manera porque hemos querido. No ha sido un encargo de nadie. Si no hubiera llegado a salir, no la habría escrito de otra manera.

Eres conocido principalmente por tu faceta de guionista de cine, ¿la vocación de autor teatral la tuviste también desde tus inicios o te ha ido viniendo a lo largo de tu carrera?

Me empecé a interesar por el teatro después del guión. Me di cuenta de que lo que más me interesaba de escribir era el desarrollo de escenas, los personajes, la manera de hablar… Los elementos más dramatúrgicos, por así decirlo. Entonces hice algún curso con gente como Juan Mayorga o José Sanchis Sinisterra, con los que aprendí mucho. Me encontré cómodo con esa aparente limitación del escenario. Después leí todo el teatro que pude; autores clásicos, pero también autores modernos de los que no había oído hablar: Suzan Lori-Parks, Martin Crimp; yo, modestamente, llevaba diez años peleando con la página en blanco, así que podía ver que lo que estaban haciendo con las palabras en pleno siglo XXI era increíble, alucinante.

Entonces, ahora que lo has probado, ¿qué ventajas, inconvenientes y principales diferencias has encontrado con la escritura de un guión de cine?

Tras trabajar como guionista, con la obra me ha pasado una cosa que me ha encantado: ha sido como volver a empezar. Me gusta mucho esa idea de permanecer “empezando” continuamente, alejado de la profesionalidad, que mal entendida puede ser lastrante. Ha sido vital para mí estar un mes encerrado con tres actores, improvisando en el salón de mi casa, por el mero placer de hacerlo. Me ha devuelto la sensación de juego que tenía cuando empecé con mi hermano Dani a inventar situaciones y personajes.

Además de escribir, también diriges tu obra, ¿por qué no decidiste delegar en alguien? ¿Tiene que ver con que hayas empezado también a dirigir tus cortos?

Tiene que ver con el método de escritura del texto que hemos hablado antes. Fue algo natural. Tal y como se desarrolló todo, hubiera sido raro meter a alguien a dirigirla.

Tras la experiencia de “La abducción de Luis Guzman”, ¿repetirás en teatro? ¿Tienes otros proyectos en marcha?

Seguro. La escritura teatral me parece muy difícil y exigente, pero al mismo tiempo muy motivante. Te das cuenta de que en el teatro la palabra manda. Al mismo tiempo, que en una época tan tecnificada unas personas se junten en el teatro para ver a unos actores fingiendo que son otros… Como diría Luis Guzmán, me parece un “momento humano” pequeño pero importante.

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El año pasado ganaste el prestigioso ‘X Premio SGAE de Guion para Largometraje Julio Alejandro’ con tu hermano Daniel gracias a un proyecto titulado “Mala Cosecha”, ¿qué puedes contar de él?

“Mala Cosecha” es una historia que empezamos a escribir hace años y que sigue muy viva para nosotros: la historia de una redención, narrada en distintos tiempos y puntos de vista. Es un guion cercano al género, probablemente con el que más hemos peleado. En un momento dado la dejamos por imposible, y después volvimos a ella porque seguía resonando. El premio, que agradecemos mucho, volvió a acercarnos a esta historia, que aún no tiene director.

¿Y hay algún otro proyecto de los hermanos Remón más cerca de ver la luz?

El proyecto que está más cerca de verse es una película que (de momento) se llama “El perdido”, que va a dirigir Christophe Farnarier, con producción de Pantalla Partida, DDM Visual y Cosmographe, una productora francesa. El rodaje empieza esta primavera. Está inspirada en un suceso real: un hombre que estuvo 14 años viviendo solo en la Sierra Sur de Jaén. Una especie de Robinson moderno, que vivía en cuevas y casas abandonas, alejado de la civilización. A partir de ahí, el guion ha cambiado mucho. Es un proyecto también muy querido, porque lo arrancamos mi hermano y yo tras ver la noticia en el periódico y buscamos una productora, un director… Todo ha ido encajando de maravilla y estamos convencidos de estar con las mejores productoras y director posibles para un proyecto así.

Es una película muy pequeña, que nos atrajo en principio por temática y por ser lo contrario de lo que habíamos escrito hasta ese momento (guiones muy apoyados en el diálogo, con escenas largas). Esta película no tiene un solo diálogo, es puramente cinematográfica: un hombre y un paisaje. El guion, en consonancia, es muy abierto, más moderno; apenas una estructura con la que enfrentarnos al rodaje, que se va a llevar a cabo durante casi un año. Al final, ha quedado un guion de unas 50 páginas.

Eso pasa con ese tipo de historias; el otro día leí que “Cuando todo está perdido”, la última de J.C. Chandor y que protagoniza Robert Redford, tenía 32 páginas.

Es que tampoco tenemos que anclarnos a eso de que un guion tiene que tener 90 páginas por que sí. Una película que me gusta mucho es “Los muertos”, de Lisandro Alonso, y creo que tenía un guión de siete páginas. Al fin y al cabo, el guion es algo que sirve para hacer una película.

¿Cómo fue la documentación para escribir partiendo de una noticia así, llegasteis a conocer al protagonista real de la historia?

No. No hablamos con esta persona porque queríamos que fuese una ficción y no queríamos acercarnos tanto. Lo que sí hicimos fue ir al sitio donde tuvo lugar la historia real, aunque se va a rodar en Cataluña y Francia. Los lugares son otros y el personaje es distinto, pero el germen de lo que leímos en aquella noticia sí es el mismo.

En el año 2012 debutaste también como director con el cortometraje “Circus”, rodado en Nueva York. Ahora vuelves a la dirección con otro corto: “Todo un futuro juntos”.

Es una (especie de) historia de amor entre el director general de un banco y una joven que esta protestando delante de su casa. El corto son 15 minutos, con dos personajes –Julián Villagrán y Luis Bermejo– en una barra de bar y un plano secuencia. Se estrena este mes en el Festival de Medina del Campo y en el Festival de Málaga. Ha sido un placer contar con dos actorazos como ellos y ver cómo se prestaban a algo así, porque lo rodamos de una manera poco convencional: sin cerrar el bar, sin avisar de que estábamos rodando, sin cortar. No fue fácil, pero resulta mucho más orgánico para la interpretación, que era lo que iba buscando.

La productora del corto es Tourmalet Films, de la que mi hermano es socio; me gusta el cine que hacen y me alegra forma parte de sus proyectos. Han producido los cortos de Dani y también, entre otros, “Paradiso”, el estupendo documental que ha dirigido Omar A. Razzak, que monta y produce “Todo un futuro juntos”.

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Tanto tú como tu hermano estáis empezando a dirigir vuestros propios proyectos, ¿ese paso a la dirección es algo que os pedía el cuerpo en este momento o siempre habéis tenido en mente hacerlo?

A mí no me gusta distinguir. Cuando dirijo lo hago más pensando en la experiencia y en el proyecto en particular que en el “título” de director o de guionista. De hecho, creo que cada vez esto se va diluyendo más y ahora mismo es más fácil encontrar a gente que hace de todo. A mí me encantaría saber hacer más cosas de las que sé, por eso creo que lo de dirigir es más un deseo de aprender que de decir: “ahora voy a ser director”. Cada proyecto es diferente y exige un tipo de implicación distinta. Además, al mismo tiempo que hacemos cosas propias que nos apetecen, mi hermano y yo seguimos escribiendo para otros: estamos trabajando en un nuevo guion para Max Lemcke y otro para Rafa Cortés, y yo solo tengo un proyecto muy querido para que lo dirija Lino Escalera.

¿Eres de los que piensa que la figura del guionista está maltratada?

Es cierto que, en cine, como no tenemos una industria como tal, lo que más se resiente es la parte más débil: el guion, porque es lo que está al principio, cuando todavía se está desarrollando todo. Esto nos obliga a los guionistas a convertirnos en guionistas-productores, invertir nuestro tiempo y nuestro esfuerzo si queremos sacar historias nuestras. Pero el victimismo no sirve para nada. Ahora es un momento en el que todo está cambiando y cada película que se hace es un logro absoluto. No debería ser así, pero al mismo tiempo, es una oportunidad para que los guionistas reivindiquemos nuestro papel en el panorama audiovisual, no solo como contadores de historias, sino también como cineastas.

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LOS ESLABONES DE LA CADENA

26 febrero, 2014

por Carlos López

Cuadernos

Lo digo y lo repito aunque nadie me lo pregunte: no puede ser que lo único que tengamos en común todos los guionistas de este país sea que todos hayamos leído a McKee. O a Syd Field. O a Linda Seger. O que pasemos la noche en blanco disfrutando de Sorkin o apasionados con Breaking Bad para luego encarar la jornada en este paisaje nuestro tan diferente, con el que nos peleamos día tras día, condenados a repetir los mismos errores porque no se nos ocurre preguntar cómo lo hicieron a quienes se dejaron la piel labrando el mismo huerto antes de que nosotros llegáramos. Bien está que cada generación se imponga romper con la anterior como uno de sus primeros objetivos, pero hasta para eso hace falta que antes conozcamos quiénes son, quiénes fueron, cómo trabajaron, qué obstáculos salvaron y ante cuáles se dieron de cabezazos. Porque muchos de esos obstáculos siguen estando ahí, intactos. Quizá nos guste defender que el talento nace por generación espontánea, pero somos los eslabones de una cadena. Lo dejé por escrito en este post en el que perseguía el rastro intermitente de una imaginaria escuela española de guion: ¿cómo escribimos los guionistas españoles?

Podemos empezar por una pregunta más sencilla: ¿a cuántos guionistas españoles conocemos, más allá de los que trabajan con nosotros? Y de ellos, ¿a cuántos hemos leído? Hoy os voy a proponer dos libros en los que guionistas españoles de talla mayúscula nos lo cuentan todo. Y cuando digo todo, digo TODO.

Hace unas semanas se presentaron los últimos títulos de una colección de sustanciosas entrevistas con nombres indiscutibles de nuestra profesión. La iniciativa hay que agradecérsela a un grupo de investigación del departamento de Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III. Con la colaboración de DAMA se han publicado en esa colección los libros dedicados a Lola Salvador y a Manolo Matjí. Me sorprendería si alguien me dijera que no le suenan estos nombres, pero por si acaso os lo recordaré. Lo hago a cambio de exigir la inmediata lectura de sus libros, que os podéis descargar ahora mismo y GRATIS en estas direcciones: aquí el de Lola Salvador, y aquí el de Manolo Matjí.

Además de que en sus carreras se encuentran unos cuantos tesoros, y de que me consta que son guionistas de inmenso talento, ambos tienen en común que siempre se han mostrado abiertos a trabajar con las siguientes generaciones y que fueron de los primeros en reivindicar nuestro oficio. Lola y Manolo son maestros y pioneros, y sin ellos no se entiende el nacimiento del sindicato ALMA o de la entidad de gestión DAMA, en cuyos albores fueron pieza fundamental. Hoy siguen acudiendo sin falta a sus asambleas. Y si hay que proponer, si hay que ir, también siguen siendo los primeros. Incluso las propias siglas ALMA (Autores Literarios de Medios Audiovisuales) son autoría de Lola.

Asomarse al historial de Lola Salvador da un poco de vértigo: su trabajo con Fernán Gómez, con Alfredo Matas, con Pilar Miró, con Chávarri. Es la guionista de la única película que la censura prohibió en plena democracia, El crimen de Cuenca, y leyendo las páginas del libro uno la descubre amiga del experimento, de la incursión en aquello que no entiende, dispuesta a reinventarse cada mes. Es decir, guionista.

Con la lectura de su libro, que la autora de la entrevista, Susana Díaz, ha titulado Modos de mostrar, no sólo aprendes de guion: sigues su vida personal y profesional paso a paso, su evolución como escritora, el trabajo con los directores y las peleas con los directivos de la televisión. Un trayecto en zig zag, apasionante para cualquiera de nosotros. También lo es el de Manolo Matji, cuya entrevista Asier Aranzubía ha titulado El mapa de la India, de Asier Aranzubía. Es una expresión que le he oído tantas veces a Manolo que ya me parece de uso común: el mapa de la India, a semejanza de aquellas películas de lanceros bengalíes, refiere a aquel momento en que los personajes te cuentan el plan, todo lo que necesitas saber como espectador para encarar la historia, lo que esperas que va a suceder. Manolo fue mi socio y es mi maestro y mi amigo, es guionista de Los santos inocentes y ha producido los primeros cortos de Fernando León y Santiago Segura, además del debú en la dirección de Agustín Díaz Yanes con Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto. Con él trabajé en Turno de oficio, Besos para todos y Horas de luz. Por eso tendréis que creerme si os digo que Manolo sabe muchísimo de este oficio y que, además, sabe cómo trasmitirlo. Hoy se siente orgulloso, sobre todo, de su papel fundamental en la creación de DAMA.

Ojo: no son guionistas de otra época. Los dos siguen en activo, conocen el mercado y sufren las mismas dolencias que cualquiera de nosotros. Como estoy convencido de que la lectura de los dos libros os dejará con ganas de más, añadamos un tercer título de la misma colección: La noche inmensa, una entrevista de Alejandro Melero con Gonzalo Goicoechea, que durante años fuera guionista de Eloy de la Iglesia, y cuya lectura (aquí) refiere momentos espeluznantes y también agudas reflexiones sobre el cometido del escritor. Y aún más: los responsables de la colección anuncian un libro/entrevista con Emilio Martínez Lázaro. Ya he despejado mi mesilla de noche para hacerle hueco.


ENTREVISTA A RAMÓN CAMPOS

17 febrero, 2014

Por Chico Santamano.

Ramón Campos está al frente de Bambú Producciones, es productor y guionista de series como… esto… mirad, tenemos una entrevista bien larga por delante. Mirad su imdb y vayamos al lío.

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Esta noche se estrena “Velvet”. Leo en todas partes declaraciones tuyas y de los actores diciendo que no es la típica historia de amor imposible. Sin embargo, “chica pobre + chico rico” huele a amor imposible sí o sí. ¿Qué es lo que no la hace “típica”?

Pues que desde el principio nuestros protagonistas están juntos aunque no lo pueden mostrar al mundo. Es un amor clandestino en el que nuestra protagonista se convierte en “la otra” desde el comienzo de la historia. Cuando propusimos el arranque que veréis esta noche todo el mundo nos decía que, si contábamos lo que vais a ver al inicio, a los espectadores no les quedarían ganas de saber nada más. Lejos de eso, nosotros pensamos que era mucho más interesante dejar establecido desde el inicio que esta no era solo una historia de dos personas que no pueden estar juntas… la nuestra es una historia de dos amantes furtivos. Lo curioso es que poco a poco los espectadores se empezarán a sentir atraídos por la tercera en discordia.

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Me parece curioso que la misma persona que se casca melodramas muy para señoras, le venda una serie de narcos con componentes fantásticos a la FOX. ¿Quién es Ramón Campos? ¿El del culebrón deluxe o el de los proyectos molones?

Jajaja… Soy el mismo solo que, al igual que todos con los que trabajo, somos muy conscientes en cada momento de a quien nos estamos dirigiendo. Eso es algo que, como ya he contado muchas veces, aprendimos muy rápido tras el fracaso de audiencia de “Guante Blanco”. Estos días he leído a alguna gente criticando a las cadenas españolas por no haber comprado “Contranatura”… incluso a algunos que critican a Atresmedia por programar “The refugees” en La Sexta en vez de en A3. Los que lo hacen demuestran que no conocen el mercado o que no se enfrentan a él muy a menudo. Cada canal tiene su público y lo que escribamos y produzcamos tiene que ir dirigido a ese público. Lo otro es correr un Rally sin que el copiloto tenga las notas de trazado. Puede que una vez ganes una carrera, pero la mayoría de las veces terminarás estrellándote.

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¿Te consideras mejor productor o mejor guionista? ¿En qué papel te sientes más cómodo? Y no puedes decir “papá y mamá”.

Me considero un buen generador de proyectos aunque a medida que va pasando el tiempo cada vez me siento más productor ejecutivo que guionista. Como productor ejecutivo me gusta tener la posibilidad de dirigir a todo el equipo hacia un lugar en concreto. Ser la guía sobre la que caminan todos los departamentos para que al final la serie tenga una coherencia estética y narrativa. Eso hace que cada vez pueda escribir menos porque la mayor parte del tiempo lo paso en reuniones de pre o postproducción. La labor de productor es otra historia y no me gusta nada lo que conlleva: bancos, notarios, angustias… y reuniones nada creativas.

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Entiendo que por tu faceta como productor tu relación con las cadenas ha de ser fluida y cordial y eso no te permite ser demasiado crítico en público, pero ¿hay algo que te saque de quicio de las exigencias habituales de las cadenas? ¿Algo que se haga especialmente mal y que no nos permita crecer como industria?

Casi nada me saca de quicio. Con el tiempo he aprendido a relativizarlo casi todo. A mí, y a mi equipo, nos gusta trabajar mano a mano con la cadena. No los sentimos como enemigos ni como coartadores de nuestra libertad creativa. Esa visión, en la que la cadena tiene la obligación de poner en antena nuestras geniales ideas sin ponerlas en tela de juicio me parece absurda. Nadie mejor que ellos conocen a su público. Es cierto que se pueden equivocar, y lo hacen muchas veces, pero yo intento mirarlo desde este prisma: Si yo que hago una serie al año me equivoco bastantes veces, ellos que hacen productos para cubrir 24 horas de parrilla, 365 días al año, lógicamente se equivocarán más que yo. Es una cuestión de probabilidad.

Sí hay una cosa que creo que las cadenas españolas deberían replantearse y es la propiedad de los formatos. En el resto del mundo son las productoras las propietarias de los formatos pero en España, quizás por las malas experiencias sucedidas con series que cambiaron de cadenas, la política es que el canal tiene que ser propietario del 100 por 100 del formato de la serie. El que haya tan pocas cadenas a las que vender las series no ayuda a luchar contra eso.

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Además de creador de tus series eres productor y tienes fama de meterte en todos los departamentos. Estás a tope en montaje, con las músicas, supervisas personalmente hasta las fotos que se mandan a prensa. ¿Es lo que tiene que hacer un showrunner como Dios manda? ¿O es desconfianza en el prójimo?

No, posiblemente eso no lo tenga que hacer un productor ejecutivo pero yo, desde el principio, me planteé que todo lo que saliese de Bambú tenía que pasar por mí de forma que si la cadena en algún momento pedía responsabilidades por algo yo fuese el destinatario de la reprimenda. Es cierto que si lo ves desde fuera puede parecer un poco excesivo, pero si te encuentras en el proceso no lo es. El montaje final, el control de las músicas, el etalonaje…son al fin y al cabo partes del proceso que son importantes para el resultado final que yo he vendido a la cadena. Si yo le he dicho a A3 que le voy a hacer una serie como Velvet, o recibo una llamada en la que me dicen que quieren que la serie sea de una determinada manera, lo lógico es que controle todas las partes del proceso y especialmente la parte final donde se le da el último toque a la identidad de la serie. Aun así, cada vez más, delego en la gente de mi confianza: directores como Carlos Sedes, David Pinillos, Silvia Quer, Jorge Sánchez Cabezudo… guionistas como Gema R. Neira, María José Rustarazo, Cristóbal Garrido, Adolfo Valor, Eligio R. Montero, Moisés Gómez, Carlos de Pando, Santiago Brey… directores artísticos como Carlos de Dorremochea o Jorge de Soto… figurinistas como Helena Sanchís… Montadores como Julia Juanatey o Fidel Collado… Todos juntos hemos compartido tantas batallas que sabemos perfectamente qué se espera de cada uno de nosotros.

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Mucha gente se queja por la constante presencia de música en las series de Bambú. ¿Por qué, Ramón Campos? ¿Por qué?

Jajaja. Porque creo que la música, si está bien metida, ayuda y no perjudica. Creo que los espectadores de televisión generalista no tienen una atención tan alta al producto como los de cable (o los espectadores de internet) por eso me parece que la música ayuda a posicionar la trama en cada momento de forma que, aunque se pierda la atención por un instante hacia la televisión, se sabe a dónde se está dirigiendo la historia. También hay momentos en que el montaje no consigue acelerar lo suficiente una secuencia y la música contribuye a hacerlo. Lucio Godoy, Federico Jusid y yo tenemos claves con las que nos entendemos: El “hormigueo” y el “hormisterio” son dos de ellas que hacen que una secuencia que por texto, o interpretación, puede resultar lenta, se aligera con la música.

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¿Qué hay de cierto en los comentarios de que sólo vuelves a twitter cuando tienes algo que promocionar?

Todo. Jajajaja. ¿Acaso twitter sirve para algo más que para promocionar?. Todo el mundo intenta promocionar algo: su serie, su libro, su personalidad, sus cursos, su soltería…

Ahora en serio. Hay dos razones para mi salida y mi regreso a  la red: La primera es que Twitter me parece un reflejo de la sociedad y, como en ella, podemos encontrar en la red a todo tipo de personas. Muchas de ellas, la mayoría, ayudan a que uno avance… pero hay un grupo que se mueven sólo por la rabia y la envidia. Cuando este segundo grupo empieza a cobrar fuerza en el entorno de uno es mejor irse. Hace un tiempo me pasó y cuando me vuelva a suceder me volveré a marchar. La segunda razón es que se pierde muchísimo tiempo. Ya no solo leyendo, escribiendo, respondiendo, retwitteando, marcando favoritos… sino que cada vez que uno mira su timeline pierde la concentración necesaria para escribir. No me fío de los guionistas cuyo timeline de twitter o de facebook está continuamente actualizado. Por esa razón en las épocas en las que realmente tengo que escribir con intensidad prefiero abandonar twitter.

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¿Guionistas que están todo el día en redes sociales? ¡Qué horror! Claro que sí… A la hoguera con ellos… ejem… Siguiente pregunta.

Gema R. Neira es como la gran desconocida del universo Bambú. Es la co-creadora de casi todas vuestras series. ¿Cómo trabajáis juntos? ¿Cuál es el proceso? ¿Quién manda?

Gema es la mujer más importante en mi vida tras mis hijas, mi mujer y mi madre. Si Teresa es mi mano derecha, Gema es mi mano izquierda. Ella sabe cuales son mis miedos, mis ansiedades, mis debilidades, mis fortalezas… Llevamos trabajando juntos diez años y desde el principio me di cuenta de que éramos absolutamente compatibles. El proceso no es fácil de definir. Mantenemos el contacto las 24 horas del día y, ya sea a través del teléfono, de internet o en persona nos vamos lanzando ideas de posibles historias. De ese rebote permanente nacen las ideas que desarrollamos y para llevarlas a cabo los dos tenemos que estar convencidos de que es lo que debemos hacer. Aun así, como cualquier “pareja profesional” discutimos muchas veces pero ambos sabemos que lo que queremos es llegar a más. Gema es la directora de desarrollo de Bambú desde su nacimiento. Ella es la persona de referencia para los guionistas de la productora y la responsable de que lo que contamos en nuestras historias esté a la altura que se espera.

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“Desaparecida”, “Gran Reserva”, “Gran Hotel”, “Hispania”… Éxitos, sí, pero hablemos de los fracasos. ¿Qué falló entre la primera y la segunda temporada de “Hispania”? Porque os fuisteis con una audiencia estupenda y volvisteis desde el primer capítulo con un dato bastante mejorable y sin una competencia atroz como pasó con La Voz vs. Gran Hotel.

Hay parte de leyenda en esto. La verdad es que no nos fuimos de la primera temporada con una audiencia estupenda. El último capítulo de la primera temporada, emitido tras la navidad como estrategia de programación, había marcado un 17,8% y 3.376.000 espectadores. Teniendo en cuenta que el capítulo anterior, antes de navidad, había hecho un 24,1% y 4.145.000 espectadores perdimos de uno a otro casi 800 mil espectadores y más de seis puntos de share. En esa bajada de audiencia no creo que hubiese razones relacionadas con la historia (terminábamos con la gran batalla final en la que Viriato vencía a Galba) sino que creo que tuvo que ver más con la programación (entre otras cosas coincidimos con el estreno de The walking dead en La Sexta).

Pasados los meses el arranque de la segunda temporada marcó un 16%  y 3.050.000 espectadores. Trescientos mil espectadores menos que el último capítulo de la primera temporada, un dato más que razonable. El capítulo 2 de esa segunda temporada hizo un 16,2% y 3.130.000 espectadores audiencia que, ahora sí, a partir de ese momento, fue bajando de forma inexorable. ¿Por qué? Cada uno tiene sus razones pero yo estoy convencido de que el único culpable fui yo. Creo que cometí el error de dejarme influenciar por opiniones externas y cambiar la serie. Hispania era un TBO. Un guionista amigo siempre me dice que deberíamos haber comenzado la serie con un dragón volando sobre Viriato para que ningún historiador se plantease ya criticarnos. No era una serie histórica: En la primera temporada Sandro (interpretado por Hovik Keuchkarian) se colaba en el campamento romano con barba y vestido con un traje de romano  que le quedaba pequeño… y ninguno de los romanos se daba cuenta… Pero de pronto quisimos ponernos serios. Dividimos a los héroes, que ya no se llevaban bien, y estaban enfrentados entre ellos. Es como si coges a “El Equipo A” y lo separas. Los espectadores, a los que les gustaba Hispania porque en cada capítulo realizaban un asalto o una emboscada, se encontraron con otra serie diferente. Creo que ese fue mi error. Como decía antes el Productor ejecutivo debe ser las guías sobre las que viaja el equipo y yo les llevé por el camino equivocado. Eso sí, aprendí que si tienes algo que funciona, no lo cambies.

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¿Y “Gran Reserva. El Origen”? Bambú hizo por primera vez una diaria con los cánones de calidad habituales, pero no enganchó. ¿Qué salió mal? ¿Te meterías otra vez en un fregao como este?

Nos habían pedido hacer una diaria varias veces pero siempre lo habíamos rechazado porque sentíamos un respeto reverencial por las diarias. Es un producto que si no lo controlas puede ser el final de tu productora. Cuando surgió la posibilidad de hacer “Gran Reserva, El origen” nos pareció que era el momento de dar un paso al frente. Sabíamos que si conseguíamos que funcionase quizás lográsemos darle un soplo de aire a la serie de primetime que, pese a las situaciones vividas, como el retraso en su emisión, había aguantado bastante bien en su tercera temporada. Si me preguntases qué cambiaría de El origen si tuviese que volver a hacerla la respuesta sería: nada. Creo que hicimos una serie de la que sentirnos orgullosos y que la poca audiencia tuvo que ver más con una cuestión de programación y de situación de una cadena que con el producto en sí. ¿Si volvería  a hacer una diaria?. Sin duda. Ha sido una de las experiencias más intensas y satisfactorias de mi carrera profesional.

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Por primera vez, una productora española ha colado una serie en la BBC. “The Refugees”… ¿Cómo surgió? ¿Cómo coño se consigue esto?

Tanto Sonia Martínez (directora de ficción de Atresmedia) como Ignacio Manubens (subdirector de ficción de Atresmedia) conocían nuestras ganas de afrontar nuevos proyectos. Sonia había leído precisamente “Contranatura” en su momento y fueron ellos los que nos lanzaron el guante de intentar desarrollar algo diferente para La Sexta. No había ningún compromiso por su parte… Únicamente el hecho de que si se nos ocurría algo suficientemente interesante estaban dispuestos a verlo. En ese momento la BBC todavía era una intención. Con esa idea en mente Gema R. Neira, Cristóbal Garrido, Adolfo Valor y yo propusimos tres proyectos a la cadena y  de ahí nació “The Refugees” que en principio se titulaba “Éxodo”. Con la idea sobre la mesa nos sentamos con la BBC y su respuesta fue que si los guiones les convencían analizarían la posibilidad de entrar en coproducción. Eso fue antes del verano del año pasado. Durante mucho tiempo estuvimos escribiendo sin saber si realmente la BBC estaría finalmente interesada en la historia pero con el apoyo constante del equipo de ficción de Atresmedia. Tras varios meses llegó el momento de presentarlo a la cadena británica en el mes de enero y, casi nueve meses después, tras analizar los primeros capítulos y el mapa de tramas decidieron firmar la coproducción.

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Los guionistas, o al menos los que más proyección pública tienen, somos un gremio bastante criticón. ¿No acojona conseguir lo de la BBC y que luego quede un churro?

Pues sí, claro que asusta, pero no tanto por lo que opinen otros guionistas, o profesionales del medio, como por la responsabilidad con uno mismo. Desde el inicio de Bambú decidimos que cualquier producto que hiciésemos debía, antes de nada, hacernos sentir orgullosos a nosotros de nuestro trabajo. Esa ha sido nuestra filosofía y no la hemos cambiado desde entonces pese a que, seguramente, de otra manera habríamos ganado más dinero. Te aseguro que ahora mismo, que nos jugamos el partido en los penaltis, no vamos a cambiar esa filosofía. Antes de no hacerlo bien creemos sinceramente que es mejor rechazar la serie y dejar que otros la hagan. En esta profesión eres lo que haces y como lo haces. Nadie puede asegurar que lo que va a producir sea un éxito pero lo que si puedes asegurar es que al menos va a ser algo digno de lo que la cadena pueda sentirse orgullosa.

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Mucha gente que no conoce Bambú por dentro, sabe que es una productora a la que se le da mucha importancia al guión, pero se sorprende al descubrir que los equipos son bastante reducidos. Además, soléis cambiar bastante a los escritores de una temporada para otra. ¿Qué buscáis en un guionista? ¿Cómo se puede entrar y sobrevivir en Bambú sin morir en el intento?

Los equipos son reducidos en argumento porque nos parece que los equipos grandes no son tan efectivos. De todas formas no tenemos más que nuestra experiencia para pensarlo y entendemos que las otras productoras funcionen de maneras distintas. Como se suele decir, cada maestrillo tiene su librillo y lo bonito de este trabajo es que no hay una sola fórmula. Por ejemplo, y refiriéndome a otra productora, los capítulos de Los misterios de Laura los escriben Carlos y Javier en solitario desde el argumento hasta el diálogo.  En nuestro caso lo que intentamos es dar continuidad a los guionistas en la medida de lo posible. Aunque a esto posiblemente debería responder Gema, creo que en ellos encontramos lo que buscamos en todos los guionistas: Que creen un ambiente agradable de trabajo, profesionalidad, esfuerzo, ganas de superarse, cintura, sentimiento de equipo…

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Esta semana ALMA la ha liado denunciando el enésimo ninguneo a los guionistas en una serie española no incluyendo sus nombres en el pressbook. Un día después, en la rueda de prensa de “VELVET”, pediste a la prensa que se acordaran de los escritores cuando escribieran sus artículos. (A partir del 36:00) ¿Oportunismo o convencimiento? ¿Qué estamos haciendo mal cuando los medios especializados hablan de la nueva serie de los guionistas de “Once Upon a Time” y no usan la misma fórmula con nosotros?

Oportunismo sin duda. Todo el mundo sabe el beneficio que saco de esto… ¿Qué otra razón puede haber además para poner siempre, desde hace años, al lado de mi crédito como guionista las siglas de ALMA? Jajaja. Ahora en serio. Desde el principio de mi carrera como guionista viví el “ninguneo” de los medios de comunicación a nuestra figura y creo que, en nuestra posición, es el momento de luchar porque eso deje de ser así. Por eso intento dar visibilidad al sindicato dentro de mis posibilidades y por esa misma razón el otro día hice mi alegato a favor de los creadores. Pienso que la historia de la televisión en España es en parte la causante de que los medios no nos respeten. Durante mucho tiempo las series españolas eran “clones” de series americanas y los periodistas especializados sólo veían eso. Ahora la situación ha cambiado y debemos hacérselo entender. Hoy mismo hablando con el director de FormulaTV, la página de referencia de la información televisiva en nuestro país, me aseguraba que a partir de ahora en todas las noticias referidas a la presentación de una serie iban a nombrar a los creadores y a los guionistas, y en las posteriores al menos a los creadores.  Ese es un gran paso. Creo que si todos aportamos nuestro granito de arena conseguiremos que las cosas cambien.

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Para acabar, esta noche hay gran duelo en la cumbre. Coincidirán “Velvet”, “B&B” y “Mira Quién Baila”. ¿Quién ganará? ¿Colate o Marina Danko?

Colate. No lo he visto bailar nunca pero tiene que mover la cadera de locura… si no qué otra explicación puede haber para que enamorase a Paulina Rubio.

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¡Gracias, Ramón Campos!

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VELVET, esta noche a las 22:30 en Antena 3.


ENTREVISTA A MANUEL BARTUAL, DIRECTOR DE “TODOS TUS SECRETOS”

12 febrero, 2014

Por Alberto Pérez Castaños

Fotos de Alba Diethelm, Néstor F. y Magui Muñoz

Manuel Bartual es uno de los buques insignia de la revista El Jueves, un reconocido editor y diseñador gráfico y, desde hace un par de años, un director y guionista con un talento y una proyección que asustan. Tras su debut en la décima edición del Notodofilmfest con el multipremiado “85.12.30” y afianzarse como realizador con una docena de cortos, ahora ha dado el salto al largo con “Todos tus secretos”, su película para el proyecto #littlesecretfilm. Se estrenó a finales de enero en La Casa Encendida y volverá a proyectarse el próximo sábado 15 de febrero en la Cineteca de Madrid. Una recomendación: no se la pierdan. 

Manuel Bartual 1

El estreno de “Todos tus secretos” en La Casa Encendida el pasado 23 de enero fue un éxito: la respuesta del público fue buena y ya está considerada una de las mejores películas del proyecto #littlesecretfilm. No está nada mal para ser tu primer largo…

No, desde luego. Estoy contento con la acogida que está teniendo. Fui tranquilo al estreno porque tras un par de pases privados en casa ya había comprobado que la película podía funcionar, pero reconozco que cuando vi aquella sala llena de gente me sentí un tanto abrumado. Estoy acostumbrado a contar historias en cómic, donde no es habitual asistir a la reacción que produce tu trabajo entre su público. Ese contacto directo es nuevo para mí, una experiencia tirando a aterradora pero también muy satisfactoria, como he podido comprobar.

Después de un buen puñado de cortos, has dado el salto al largometraje con un proyecto a priori complicado: una historia fraccionada en nueve pantallas diferentes y rodada en plano secuencia. ¿De dónde sale una idea así? ¿Ha influido el Bartual historietista en el formato “aviñetado” de la multipantalla?

El aspecto de “Todos tus secretos” puede recordar al diseño de una página de cómic, pero en realidad no es lo que me ha servido de inspiración. Para la película rescaté una idea que tenía, contar una historia utilizando un mosaico al estilo del que forma cualquier circuito de cámaras de seguridad. Me emboban esas pantallas que puedes encontrar en el metro o en algunos comercios, podría pasar horas delante de ellas viendo a la gente saltar de ventanita en ventanita. También me parecía una buena manera de justificar de forma natural un rodaje basado en el plano secuencia, algo que consideré indispensable para poder grabar un largo en poco tiempo. Cuando a todo esto le sumé que el punto de vista sería el de la webcam de sus protagonistas, vi claro que ahí ya tenía un buen punto de partida.

¿Cómo fue el rodaje de una historia de estas características, teniendo en cuenta que tenías que seguir ciertas normas como parte del proyecto?

He trabajado la película teniendo en cuenta el proyecto del que forma parte, pero en las ocasiones en las que tuve que decidir entre cumplir el manifiesto o beneficiar el resultado de la película, elegí siempre lo último. “Todos tus secretos” se rodó en seis días, con un equipo cercano a veinte personas. Diez actores protagonistas, un par de técnicos de sonido y tres directores de fotografía turnándose en función de sus agendas. Aparte, un par de personas más encargadas de la dirección artística y echándome una mano con las labores de producción. Rodamos todo con webcams HD, algo en lo que me empeñé desde el primer momento para darle a la película la textura que me parecía que debía tener. Nos llevó algo de trabajo previo hacer todas las pruebas necesarias para luego no llevarnos sorpresas en la edición, pero a partir de ahí el rodaje fue bastante rápido y fluido.

El ritmo de la multipantalla, con varias imágenes simultáneas prácticamente en todo momento, está muy logrado gracias a un gran trabajo de montaje, ¿fue tan complicado como parece?

El montaje fue laborioso pero bastante más fácil de lo que aparenta, gracias a que llevamos todo bien atado al rodaje. Fue como construir un pequeño rompecabezas. Algunas escenas las grabamos con cronómetro en mano, condicionadas por la duración de otras que habíamos grabado previamente y que luego, en pantalla, se desarrollarían de manera simultánea. Casi podría decirse que la película estaba montada una vez terminamos de rodar, ya que el montaje ha consistido en colocar cada pieza en su sitio sin demasiado margen para modificar el ritmo que ya venía marcado desde el propio guión. Cuando se me ocurrió el formato que luego dio pie a la historia, lo primero que hice fue grabar una prueba de 7 minutos algo improvisada para comprobar si el formato funcionaba y valorar todo lo que podía hacer con él. Me resultó muy útil de cara a construir la trama, ya que fondo y forma van de la mano en “Todos tus secretos”.

Rodaje 2

Una de las normas de #littlesecretfilm es que el director no tendrá un guión dialogado previo a la hora de rodar, sino que irá improvisando las secuencias con todo el equipo artístico. Teniendo esto en cuenta, ¿en qué estado estaba el guión de “Todos tus secretos” cuando empezó el rodaje?

Probablemente me retiren el carnet de #littlesecretfilm cuando lean esto, pero en nuestro caso sí disponíamos de un guión dialogado previo. Traté de escribir siguiendo lo indicado en el manifiesto, pero enseguida vi que no era el mejor sistema para esta película. Además, yo necesito apoyarme en los diálogos para elaborar la historia. En ocasiones tengo un par de ideas muy vagas sobre una escena y no consigo cerrarla hasta que comienzo a dialogarla, hasta que me pongo en la piel de cada personaje y su diálogo va avanzando. Lo que sí que busqué luego, durante los ensayos, es que cada actor llevase cada frase a su terreno, que las dijeran con sus palabras, buscando la naturalidad que demandaba la película. Y que aportasen todo lo que considerasen necesario.

Uno de los aspectos que más me han gustado de la película es precisamente la frescura y naturalidad en los diálogos de los actores, que logran crear personajes reales sin caer en los estereotipos de la edad, ¿trabajaste esto previamente en el guión y con el reparto o les dejaste vía libre para improvisar la personalidad de su personaje?

Hubo gente que leyó el guión antes de los ensayos y me dijo que, conociendo ya el trabajo previo de los actores, prácticamente les iba escuchando mientras leían cada frase. Procuré cerrar el casting pronto, en cuanto tuve clara la estructura básica de la historia y sus protagonistas, para escribir sabiendo de antemano qué actor interpretaría a cada personaje y contemplar así las posibilidades de cada escena. Teníamos poco tiempo de rodaje, así que intenté que todos se sintieran a gusto con su personaje desde el primer ensayo. En la película hay un crédito de diálogo para todos los actores porque todos aportaron frases y matices que no estaban en el guión. Algunos surgieron durante los ensayos, otros durante el propio rodaje de la película.

Rodaje 1

Cristina Gallego, Dani Pérez Prada, Rocio León, Ingrid García Jonsson, Xabi Tolosa, Pepón Fuentes, Miguel Esteban, Lorena Iglesia, David Pareja y Raúl Navarro; algunos caras conocidas de tus anteriores trabajos, otros no. ¿Qué tal trabajando con un elenco tan numeroso como talentoso?

Para mí ha sido una gozada, prácticamente como imaginar un grupo de superhéroes y reunir en él a mis personajes favoritos. Con Xabi, Rocío, Lorena y David ya había trabajado y me apetecía repetir. Al resto les conocía en persona o por sus trabajos, y era gente con la que tenía ganas de trabajar. Creo que fue buena idea contar con un reparto que en la mayoría de los casos ya se conocía previamente, porque ayudó a generar esas dinámicas de grupo y confianza que hay entre los personajes desde la primera escena. Uno de los comentarios que más se repiten entre la gente que ve la película es lo bien que está todo el reparto, lo naturales que se les ve. Y es que es cierto. Están fabulosos.

Sin desvelar nada del argumento, ¿cuánto de crítica hay en “Todos tus secretos” a las redes sociales y las nuevas tecnologías y al daño que pueden hacer a las relaciones personales?

Una cosa que me sorprendió bastante mientras escribía la historia fue lo fácil que me resultó construirla dentro del espacio que delimitaba la webcam de cada personaje, sin forzar ninguna situación para que transcurriera allí delante. Hoy en día muchas vidas transcurren delante de una pantalla, así que resulta inevitable que hayamos incorporado todo lo que sucede dentro de ellas a nuestras rutinas. El problema es que internet y todo lo que ello supone avanza dos pasos por delante de nosotros, especialmente de los que hemos vivido unas rutinas diferentes a las que ha marcado la aparición de internet, y en este contexto hay quien se maneja mejor o peor. Prefiero no dar muchos más detalles porque es uno de los temas que desarrollo a lo largo de la película, pero en cualquier caso, más que una crítica mi intención ha sido hacer un comentario sobre esta situación al margen de valoraciones, desarrollar una historia aprovechando este escenario. Y bienvenidas sean todas las reflexiones que, a partir de ahí, la película pueda generar.

“Todos tus secretos” es un thriller con toques de comedia ácida, de situaciones crudas e incómodas, algo que hemos podido ver en tus cortos, ¿te estás afianzando en un estilo propio o todavía estás explorando diferentes terrenos?

Las conexiones entre “Todos tus secretos” y mis anteriores cortometrajes no las vi hasta que me las señaló un amigo tras leer el guión de la película, pero es cierto, ahí están. Aparte de lo que comentas, estaría también lo de utilizar el género como base para desarrollar historias costumbristas. No es algo premeditado, es lo que me va saliendo de forma natural. Probablemente sea influencia de un tipo de cine que me gusta mucho, el de las distopías de futuros inminentes en los que elementos de fantasía o ciencia ficción se cuelan en historias cercanas y reconocibles. Creo que es una buena forma de hablar de nosotros mismos y de nuestro entorno, porque en ocasiones basta con introducir un par de conceptos diferentes a los que definen nuestro presente para hablar de estos temas con cierta distancia crítica. Estoy pensando en películas como las de Shane Carruth, “Children of Men” de Cuarón o “Código 46” de Winterbottom. O “The Entire History of You”, un episodio de “Black Mirror” que tuve bastante presente mientras escribía la película. “Todos tus secretos” se enmarca dentro de un escenario completamente actual, alejado de estos ejemplos que te comento, pero algo de esto hay y es un camino que me gustaría desarrollar. Aunque tampoco sé qué será lo siguiente que ruede. Como digo, por ahora estoy a gusto dejándome llevar y descubriendo qué va saliendo.

Llevas más de cinco años publicando todas las semanas en El Jueves el ya mítico Sexorama, una de las páginas más populares de la revista, además de ser un reconocido maquetador y editor, incluida tu nueva aventura con ¡Caramba!, ¿cuál ha sido la recepción de tu trabajo audiovisual por parte de tus seguidores como historietista?

Al poco de estrenar “85.12.30”, mi primer cortometraje, leí un comentario de un lector en un blog en el que decía que debía de ser otro Manuel Bartual diferente al de El Jueves, que no le pegaba que ese corto lo hubiera dirigido la misma persona. En parte le entendí porque uno de los motivos por los que he comenzado a dirigir piezas audiovisuales ha sido para contar historias que no me encajaban en cómic, diferentes a lo que suelo dibujar, pero creo que aquel comentario concreto venía más a cuento de la extrañeza ante encontrarse a un dibujante ejerciendo de director. Esto ya sí que no lo entiendo tanto porque creo que vivimos una época en la que desarrollar diferentes facetas artísticas es más fácil que nunca gracias a los medios de los que disponemos, y al menos en mi caso, es algo que siempre me ha motivado. Pienso que unas facetas se acaban beneficiando y contagiándose de las demás.

Manuel Bartual 2

El año pasado estuviste bastante presente el Notodofilmfest con la saga “Desafío Final” y el premiado “Ventanitas”, ¿tienes algo preparado para este año en formato corto?

Para Notodofilmfest he grabado este año “Tu color favorito”, la pieza que abre #Sequence, un largometraje colectivo coordinado por el festival en colaboración con #littlesecretfilm. Más allá de eso no tengo previsto rodar nada más para la convocatoria de este año, aunque me podría pasar como con “Ventanitas”, que fue una idea de última hora. De todas formas, ahora lo que me pide el cuerpo es descansar un poco, dedicarme a mover la película e ir pensando en qué será lo siguiente que ruede, pero sin ninguna prisa.

Tras la experiencia de “Todos tus secretos”, y como cineasta en ciernes, ¿qué conclusiones has sacado de una iniciativa como #littlesecretfilm, de sus condiciones y limitaciones, y del low cost en general? ¿Habría sido posible esta película sin Calle 13?

Sí, sin duda. “Todos tus secretos” es una película muy pequeña, y en parte fue esto mismo lo que me hizo dudar sobre si participar o no en el proyecto: que de repente llegara un canal para apropiarse de los modos de producción del cine de bajo coste no me entusiasmaba precisamente, pero el acuerdo al que se llegó me pareció razonable porque se alejaba de esta primera impresión. Las películas son nuestras, y Calle 13 ha puesto algo de promoción y un dinero en concepto de cesión de derechos para la exhibición de las películas en televisión e internet durante un breve periodo de tiempo. No sé cómo lo habrá enfocado el resto de directores, pero en mi caso lo que he hecho ha sido producir la película por mi cuenta asumiendo todos los gastos derivados de la producción y pagando al equipo dentro de mis posibilidades, empleando el dinero de Calle 13 para recuperar una buena parte de esa inversión. En cierto modo ha sido como realizar una pequeña película sabiendo que ya contaría con una venta y difusión en televisión asegurada, y con margen para moverla luego por mi cuenta sin que el canal tome ningún partido. Respecto al modelo de producción de #littlesecretfilm, aunque mi método de trabajo no comulga con algunos puntos de su manifiesto sí me parece que cumple bien su función: la de motivar a hacer cine. No es un modelo que se proponga sustituir los ya existentes, sino plantear una alternativa más lúdica y menos basada en modelos de producción comerciales. En mi caso concreto, yo llevaba un tiempo valorando ideas para realizar una película pero todas acababa descartándolas porque no me parecían buenas o se iban por completo de los tiempos de rodaje que mi bolsillo podía pagar, de modo que me vino bien que alguien me invitase a un proyecto de estas características y pusiéramos una fecha de entrega. Me puso las pilas. También me vino bien marcar unos tiempos de rodaje limitados, porque al menos en mi caso me sirvieron para buscar la manera de rodar una historia que me apeteciera contar sin perder de vista unos tiempos de producción asumibles por todo el equipo. Además, trabajar con Pablo y Haizea de #littlesecretfilm ha sido un placer, son dos personas muy entusiastas y es algo que te acaban contagiando. Creo que antes o después habría acabado sacando adelante una película, pero me alegro de que haya sido ahora y de esta manera. Tanto yo como el resto del equipo estamos muy satisfechos del resultado.


LOS GOYA 2014 (MINUTO A MINUTO)

9 febrero, 2014

BLOGOYAS Por Chico Santamano y Cía.

1:01 ¡Hasta el año que viene! (A no ser que lo presente Fuentes, claro… entonces comentaremos “Salvados”)

0:59 Ahora sí. Recogemos el tinglado. Muchas gracias a todos los que nos habéis seguido en la noche. Hemos sido trending topic y más de 8000 visitas en cuatro horas.

0:56 Vamos a contabilizar quién ha ganado la porra de la noche.

0:55 Bueno, empezamos a tuitear la película, ¿no? Uffff…

0:54 Y ahora “Azul Oscuro Casi Negro”… Daniel Sánchez Arévalo, el gran ganador de la noche.

0:53 ¿Salen los de la asesoría legal y no los guionistas en los créditos? ¡Sindicato ALMA, denuncia!

0:53 Bueno, un año más que no salimos en los muertos.

0:52 Pues es oficial… LA PEOR GALA DEL ÚLTIMO LUSTRO.

0:52 ¡No puede ser! ¡Buenafuente y Eva Hache estaban juntos en el mismo decorado! La magia del cine…

0:51 Creemos que Fuentes está haciendo un microteatro durante sus desapariciones.

0:50 Venga, Manel… cierra esto como Dios manda. Que salgan los Chunguitos.

0:49 El Ministro Wert, el hombre más envidiado de la noche.

0:46 Mejor película: VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS. Pues mira, le viene bien. A ver si se hace unos euretes más en taquilla.

0:43 Nos comentan que Terele Pávez está ofreciendo el Goya en el comedor social de Tirso de Molina a cambio de un plato de albóndigas.

0:43 David Trueba escribiendo su columna de mañana. TERMINE, AMIGA.

0:42 David Trueba recuerda a los actores. A ver si dice algo de Viggo Mortensen.

0:39 En los Oscars usan extras para rellenar los huecos que se quedan en primera fila. En los Goya usan a Miguel Ángel Silvestre.

0:38 Buen blanqueamiento dental que se ha hecho Javier Cámara.

0:36 Nos dicen que se han equivocado con una foto del in memoriam. Han puesto la foto de una periodista viva.

0:35 Ana Belén muy guapa.

0:35 ¿Cuántos presentadores habrán rechazado la gala antes que Manel?

0:34 “15 años y un día”, ¿alguien la ha visto?”… sonido de grillos.

0:32 Nuestro espía en los Goya nos informa de que ahora mismo hay tres actores en el mismo retrete del baño. ¡Cuéntanos algo que no sepamos!

0:30 Qué ganas de ver todos estos documentales… mmhh… ejem.

0:29 Miguel Ángel Muñoz nos encanta y nos cae súper bien y encima ha empezado a seguir en twitter a la mitad de los que andan por aquí.

0:27 ¡Gana “Futbolín”! ¡Felicidades, Mar!

0:26 Miyazaki se querría morir viendo estos avanes de peli de animación.

0:24 En el HOT Madrid la mitad de los venezolanos estos a punto de liarla.

0:24 Sin duda, el peor discurso desde Dani Castro en Los Feroz.

0:23 IBERMEDIA… Nuestras cuotas de autónomos se nos van por esa mierda a chorros.

0:22 Gracias a este Goya, hoy van a morir diez maricas en Caracas.

0:21 Si esa pava es de Venzuela, esos zafiros son de verdad.

0:19 Haneke 1 – Dani Castro 0.

0:18 Dani Castro: “Todos con Haneke”.

0:17 Tres horas después no se entiende que Manel Fuentes vaya con bata en los fragmentos de las pelis nominadas.

0:15 Nos flipa que los ganadores a mejor maquillaje se lo agradezcan a Álex y a CAROLINA BANG. El poder de una buena actriz.

0:14 Premio a mejor maquillaje y pinchan a la peor maquillada. La chica se lo dedica al Nasty.

0:13 Un recuerdo para el novio de 13 años de Fernando Tejero. ¡A tope!

0:12 Dedicado a Phillip Seymor Hoffman. Lo que Roberto Álamo no sabe es que le habría matado a cabezazos por medio gramo de coca.

0:11 La vida está llena de contrastes. Los martes haces “Bienvenidos al Lolita” y el domingo ganas un Goya.

0:10 Carlos Bardem, Goya por no haber pillado una venérea.

0:09 Bueno, hay que reconocer que unas buenas tetas falsas nos ganan siempre.

0:09 Deberíamos cambiar el hashtag por #conformismo

0:08 No damos crédito… TODO VALE. Con lo bien que estuvieron el año pasado.

0:07 Acabamos de asistir ante un exceso de confianza de los chanantes. SE HAN RELAJADO.

0:05 Chiste con “zombis lentos” y… ejem… un pene.

0:04 Graciosísimo Raúl Arévalo en el sketch de los chanantes… ejem… ¿?

0:01 ¿Las de FEMEN habrán visto “Las brujas de zugarramurdi”? Como pillen a Álex le hacen un escrache que se pee.

0:00 “La Herida” empezó en una tetería de Lavapiés. ¡Chúpate esa, glamour!

23:58 ¡¡Por fin ha ganado alguien de la ECAM!! O que lo ha dicho, porque algunos han ganado y nadie la nombra.

23:57 Y aquí llega Nacho Vigalondo. La persona más vinculado al cine que menos cine hace.

23:56 “Siempre se muere alguien con la X”. Se acaba de oír en este salón.

23:55 Ha caído medio gremio del doblaje.

23:54 ¿Sara Montiel no murió hace cuatro o cinco años?

23:54 Echamos de menos a Paul Walker.

23:53 ¿¿Concha García Campoy… mmmmh… en este in memoriam?

23:53 Qué feo es aplaudir a unos y a otros no, ¿no?

23:52 Comienza el In Memoriam. Llegó el momento de las fotos de DNI.

23:50 Los brillos en la cara de la mujer de Enrique Cerezo, mejor fotografía 2014.

23:50 ¿Os imagináis que hubiera estado Dani Castro nominado por “Ilusión”? Nosotros tampoco.

23:48 Efectivamente, “La gran familia española” tiene el típico PLANO DE ESPEJO ROTO MOSTRANDO EL ROSTRO DE UN HOMBRE DESTRUIDO. Ahí queda.

23:48 Pues nos rendimos… CHICOTE LO MEJOR DE LA GALA. Y este es el nivel.

23:47 Chicote en los Goya. Qué bien haber nacido para ver esto.

23:45 Si hubiese un Goya a mejor grafismo, un año más… los Goya no se lo llevaría.

23:44 Nos comentan que han visto en El Retiro a Terele Pávez con dos palomas en la boca.

23:44 Marián, TERMINE AMIGA.

23:42 La maldición del goya revelación: Marián, a partir del martes, está disponible para currar de camarera en cualquier bar de La Latina.

23:42 ¿Es posible que no haya ni una sola persona guapa en la platea?

23:42 Recordamos el discurso que dio en Los Feroz. Dijo que no quería hablar de ella y no dejó de hablar de sí misma.

23:41 Marián Álvarez, con su vestido de madrina.

23:40 Aura Garrido, nos encanta, pero es tan intensita…

23:39 La infanta Cristina sentada detrás de Antonia Sanjuan.

23:39 Antonia sobreactuando en un sketch.

23:39 Guau… Antonia Sanjuan parece un traveti…   …

23:38 En Cataluña cuando naces te dan unas gafas molonas.

23:37 Jaime de Armiñán trending topic. ¡Quién se lo iba a decir hace 90 años!

23:36 Hemos tardado hora y medio en escuchar la frase “Con la que está cayendo”.

23:34 ¡TODAS LAS MUJERES! No acabamos de entender por qué una serie de televisión reconvertida en película ha optado a esta categoría. Preguntamos, ¿eh?

23:33 MEJOR GUIÓN ADAPTADO. A ver…

23:32 ¡VIVIR ES FÁCIL! La frase del abuelo profesor ha arrancado más risas que todas las intervenciones de Manel.

23:29 MEJOR GUIÓN ORIGINAL. A ver…

23:28 Manel está dándose ahora bien de pote, colocándose unas mallas y a por el siguiente numerito. Un gradito más de mariconismo.

23:28 Ojo con el twitter. Actores riéndose mucho de otros actores.

23:27 La revelación siempre llora.

23:26 Helen Morales, aquí presente, ha ganado tres followers. Os da las gracias.

23:25 “Empeños a lo bestia” en Xplora, ¿eh? Os avisamos, por si no queréis acabar la semana así.

23:23 La gala está a la altura de la cosecha cinematográfica de este año.

23:22 Manel vuelve a colarse en otra peli. Lo único que tenían que hacer es que coincida la fotografía un plano con otro y ni siquiera. De hacer gracia ya ni hablamos.

23:21 “Voy a intentar ser breve. No prometo nada”.

23:20 Realizador: Ponedme otro planito del gordo este barbudo, por favor.

23:19 SOMOS TRENDING TOPIC!!!!! #BLOGOYAS!!!

23:18 Qué mona Macarena García, por favor. NOS GUSTA.

23:17 Recordamos la maravillosa calidad visual de LA MULA. HD puro.

23:16 Dafne llevaba pantalones, pero la han pillado así en el camerino.

23:16 Este número musical nos ha dado TANTO bajón.

23:15 Qué horror… No hay ni uno que cante. No se oía la música. Qué desastre.

23:14 ¿Hay algo peor que un número musical? Sí, un número musical pidiendo que vaya la gente al cine. Sísí… VAN A IR FIJO.

23:14 ¿Estamos viendo un ensayo general? Qué desangelado, por favor.

23:13 Cada año intentan hacer el mismo número musical y jamás lo hacen bien.

23:11 No, por favor… El chiste de la camiseta de Mario Casas. UN AÑO MÁS. NO WAY! Basta.

23:10 Fuentes para “Los Amantes Pasajeros 2”.

23:09 Manel Fuentes: “Si no puedes hacer un chiste, haz un spoiler”.

23:09 Saludos a Pablo Alén y Breixo Corral que se acuerdan de nosotros en la gala. ¡Suerte!

23:08 Carlos G. Miranda ha perdido cinco followers. Nosotros seis años de vida viendo esta gala.

23:08 “¿VIVA LA JOTA?” Jamás pensamos que diríamos esto, pero QUE VUELVA MANEL FUENTES.

23:08 Después de este discurso nos merecemos que nos suban el IVA a un 50%

23:08 Armiñán está aburriendo a Tito Valverde… y eso tiene mérito.

23:08 El mejor plano de un moco que hemos visto jamás.

23:08 Enrique Cerezo está pensando “tengo 80 millones en el banco. ¿Qué coño hago aquí?”

23:07 ¿Dónde está la tanqueta esa con chorro de agua para echar a la gente en las manifestaciones? Que saquen a este señor.

23:06 Audímetros cortándose las venas ahora mismo.

23:06 Entre González Macho y Armiñán no juntan ni una ducha. No se lavan desde el 76.

23:05 El premio de honor sólo se lo dan a gente que corra riesgo de ictus.

23:03 Raúl Pérez de twitter! Hola!

23:02 Queremos saber quién fue el que hizo la animación de la tela esa que se airea debajo del logo de los Goya. Es un honor que sigan usando tu trabajo desde 1998.

23:01 Bravo por la realización. Nos están mostrando TODAS las cámaras del auditorio. Que no quede una por enseñar, por favor. Que está quedando todo la mar de elegante.

22:59 Ana Torrent hizo de todas las niñas repipis del cine español de los 70. Manel Fuentes aspira a quitarle ese honor en la actualidad.

22:57 Y ahora la gala copia la polivisión de Rosales en un vídeo que se ha acabado cuando ellos han considerado. Sin más. STOP.

22:57 La gala la dirige Sergio Leone. Todos planos de peña enfadada.

22:56 Pilar Bardem y Terele Pávez, dos de nuestras peores actrices.

22:55 Terele: Poned algo caliente en el catering, hijos de puta.

22:54 Terele: Esto está bien, pero yo lo que quiero es una casa.

22:54 Nos cuentan que el desayuno de Terele todos las mañanas en “La Suiza” era una caña y un piti.

22:54 Terele va a cambiar el Goya por un poco de base.

22:53 Terele, ¿en qué cajero va a dejar el Goya este año?

22:52 Señor Bardem, ¿por qué siempre estos discursos? ¡En los Oscars no los haces, mamón!

22:49 El ganador a mejor corto de ficción es el típico cortometrajista que trabaja en hacienda. En dos años puede dar el salto al largo.

22:48 La verdad es que el público en general parece gente que pasaba por allí.

22:47 Queremos resaltar la gigante injusticia de la Academia con JAVI RUIZ CALDERA. Ganador moral.

22:44 Esperamos que O’doguerti toque con la polla el piano, porque sólo eso justificaría este paripé.

22:43 La ganadora del corto documental ha puesto cachondo a más de uno. Otros coinciden que “esta te tiene que dar mucha caña”.

22:42 Un momento… ¿los cortometrajistas no merecían que les diera el premio una celebriti? Aunque sea Terele Pávez…

22:41 El corto de “La gran desilusión” lo ha sido.

22:40 Sale O’doggerti  y Wert aprovecha para acostarse. Que mañana tiene que madrugar.

22:40 ¡¡TODOS CON “LUCAS” de Álex Montoya!!

22:40 Ahora a Macho lo meten en un cajón de madera y hasta el año que viene.

22:39 Se rumorea que Macho se peta fijo esta noche a Dafne Fernández.

22:38 Vamos a ver, el follower que ha perdido Carlos García Miranda que vuelva!

22:37 Aitana Sánchez Gijón con diferencia LA TÍA MÁS BUENA DE LA GALA.

22:36 Manel Fuentes está muy preocupado. “Este público está muerto! Voy a hacer de Gurruchaga”

22:35 Es curioso que este señor no hable de higiene personal.

22:34 González Macho da record histórico a “Salvados”.

22:32 Durante el discurso de nuestro Presidente hablamos del increíble  desarrollo mamario de la hija de Verónica Forqué.

22:30 González Mach0 es una mezcla entre Rubalcaba y una mierda.

22:29 Y aquí viene el clásico… LA MONTAÑA DE BASURA DE FRAGGEL ROCK

22:28 Manel quería a Bruce Springsteen. Sólo consiguió a Miguel Ríos.

22:26 Ohoh… ahí viene el vídeo del presentador dentro de las películas. BASTA YA, POR FAVOR. Y menos para hacer un chiste de “relaxing cup” con Miguel Ríos. Está guay porque rejuvenece mucho el rollo de la gala.

22:26 Qué delicia que presente la gala el niño maricón de Juan Ymedio.

22:24 ¿Mejor montaje “las Brujas de Zugarramurdi”? Si este tío fuera tan bueno, habría dejado la peli en 25 minutos.

22:23 Acabamos de ver la intervención más larga de Miriam Giovanelli en toda su carrera.

22:20 Guau, los tíos serán los mejores en arte, pero en vestuario… esa americana encima de jersey.

22:19 Ya podemos contarlo. Nos hemos reunido en casa del Ministro Wert. El tío se está descojonando, la verdad. Le está gustando mucho.

22:17 Natxo López quiere que le agradezcan el premio de Stockholm. Puso 50 euros para el crowfunding.

22:15 Que alguien le ponga una cañita a Javier Pereira.

22:14 Se rumorea que este “descacharrante” monólogo lo ha escrito Ángel Llacer.

22:13 Manel Fuentes es el nuevo Ángel Garó.

22:11 Pero… pero… mmmmh… Manel… ¿por qué tanto amaneramiento??

22:11 Manel no se la está jugando. Ha optado por no hacer chistes.

22:10 La escenografía es un poco como de programa musical de Gestmusic, ¿eh?

22:09 Se está hablando mucho del PAQUETE de Manel.

22:08 Cuidado con Manel, no sabemos si es un monólogo o un homenaje a Pajares.

22:07 Lo del eyeline de Fuentes no era sólo para el vídeo. Vaya rimmel, amigo. Parece Michael Douglas en “Behind the candelabra”.

22:06 Qué coño le pasa a los travellings en los Goya, que SIEMPRE se tambalean.

22:05 Guau, qué plano secuencia más currado. Curiosamente se cruza alguien cada cinco segundos.

22:03 Manel Fuentes, se te ha ido la mano con el rimel.

22:02 Oh, oh… los directores noveles limpiando parabrisas. Fernando Esteso en chandal. GLAMOUR.

21:58 La cultura española rechazaba Eurovegas, pero el patrocinio de Gran Casino sí que les parece bien.

21:57 Antes de empezar la gala, acaban de anunciar un programa de una productora que no ha pagado a algún que otro guionista de esta sala.

21:56 Por aquí todos se preguntan lo mismo “¿de verdad os gustó “la gran familia española”?

21:54 “Yo quiero que gane esta. La de las cuatro bodas”. Este es el nivel que se mueve en este salón.

21:52 Pero vamos a ver, este señor reportero de tve… esos anillos de palabra de gitano no tiene sentido.

21:50 Filtración 100% real: este año querían traer de nuevo a la Ugarte y a Povedilla para dar un premio y hacer la coña del fallo del año pasado. ELLA se ha negado. Adriana, Adriana…

21:49 Nos comentan que en la sala de prensa se han quedado sin señal.

21:45 Os aconsejamos muy intensamente que os conectéis a la aplicación multipantalla que está haciendo http://www.rtve.es/radar

21:43 Ha llegado Sergio Barrejón. Está muy delgado, creemos que ha venido haciendo footing desde Berlín. El guionista maratonista. El nuevo postureo.

21:39 Pilar Bardem, maravilloso y sorprendente cutis. ¿botox o cortisona? Empieza el debate.

21:36 Más o menos estamos por aquí Dani Castro, Carlos G. Miranda, Carlos de Pando, María López, Natxo López, Adolfo Valor, Antonio Castelo, Ángela Armero, Cristóbal Garrido, María José Mochales, Bárbara Alpuente… y siguen llegando las estrellas. Dicho lo cual, os avisamos y recordamos que como todos los años no todos los presentes aprueban ni comparten las barbaridades que aquí aparecen.

21:34 Ya estamos casi todos reunidos. Si alguien ve a una señora mayor perdida por el centro, es Sergio Barrejón.

21:22 Ojo que hay una nueva canción rap entre las nominadas. ¡Raperos, no bajéis hasta que no se confirme del todo!

21:12 Nos comentan que en la sala VIP este año han prohibido el alcohol para evitar nuevos adrianasugartes, pero un actor cómico famoso por enseñarnos su orto ha colado una botella de ron.

20:18 A ver… consejo para todos los nominados que os estáis haciendo selfies delante del espejo. ¡Mirad al objetivo del móvil y no a vuestro propio reflejo! Que parecéis tonticos.

20:05 Voces influyentes del cine español comienzan a dar su opinión sobre lo que significa este magno evento. Por ejemplo, MANUEL TALLAFÉ ha declarado en FB: “Goyas? Para mi seria la fiesta del cine Español si Las Brujas de Zugarramurdi estuviera en el lugar que le corresponde.” y “se premia el cine triste aburrido y amater”.

19:46 Buenos días, Antonio Dechent.

19:36 Buenos días, Juan Diego.

19:21 Y como todas las noches de Goyas diluvia en Madrid.

19:06 Para evitar que este año los entregadores de goyas vuelvan a hacer un adrianaugarte, han colgado ESTE ELEGANTE MURAL en la pared:

IMG-20140209-WA0000 (1)El glamour de la gran noche del cine español.

13:02 Una de las nominaciones más especiales de la noche va a ser la de MEJOR FOTOGRAFÍA para “NEW YORK SHADOWS”. La polémica la precede. ¿Por qué?

Al parecer es la hija de un dire de foto (que no conocemos porque somos guionistas y estas cosas nos dan igual), pero que ha pedido el voto a conciencia para su retoña… ¡y lo ha conseguido!

No dejéis de ver el trailer porque por su look parece uno de esos cortos disparatados de Sonia Monroy.

12:35 OJO, primera cosa que nos filtran. Álex O’dogerthy repetirá actuación musical en la gala. ¿Recuerdan la del año pasado? Ahora entendemos por qué no va Wert.

12:32 ¿Quieren ir calentando motores recordando el minuto a minuto del año pasado? AQUÍ LO TIENEN.

12:28 Esta noche, a partir de las nueve y algo empezaremos a darle caña al asunto. En twitter usaremos la etiqueta #Blogoyas. Queremos leer los espumarajos más sucios que se os pasen por la cabeza.

12:27 Buenos días, lectores.

12:26 Buenos días, nominados.


ENTREVISTA CON IVÁN ALEDO, MONTADOR DE “EL PRÍNCIPE”

6 febrero, 2014

por Carlos López

El principe

La primera vez que visité una sala de montaje pensé que montadores y guionistas éramos individuos de la misma especie. Vi que el montador hacía doble clic sobre la carpeta de su escritorio con el título de la película y que dentro guardaba diferentes versiones, croquis, escenas aún a medio camino… Sí, vale, su ordenador tenía una pantalla más grande que la mía, y él tenía dos pantallas más que yo, pero viéndolo allí sentado, solo, contra la pared, tecleando y moviendo el ratón, me pareció que el rodaje era un mero trámite, que alguna vez el guionista enviaría su carpeta directamente al montador, de escritorio a escritorio. No es cierto, ni mucho menos, el rodaje es donde realmente se pone en pie la historia, donde se la pone a prueba, aunque si uno ve los vídeos del making of de Gravity no sabría si llamarle a eso rodaje.

El montador es un narrador, tiene la cabeza amueblada por el mismo interiorista. La única diferencia –y es una diferencia que lo cambia todo– es que el montador trabaja con los ingredientes contados y el guionista puede cocinar con todo lo que se imagine, incluso lo inimaginable. Los montadores, claro, sólo trabajan con el material ya rodado, pero saben interpretarlo con otra luz, descubren dobles fondos a la historia a base de descodificar las imágenes que le van llegando día a día del set. Ese es su único rumbo: no lo que estaba previsto, no lo que costó rodarlo, sino qué trasmite, qué cuenta. Y qué puede contar si lo cambias de sitio. Y a veces te quitan de un plumazo bloques enteros, o los cambian de lugar, o alteran el orden de los diálogos de una escena. Y uno alucina. Porque cambia todo el sentido, sí, pero de alguna manera ya estaba ahí.

Por eso un guionista siempre aprende cuando habla con un montador, y seguro que a éste le sucede lo mismo cuando trata con guionistas. A Iván Aledo lo conocía hace ya unos años, de la mano del director Jesús Mora. Creo que recuerdo cada vez que le he visto trabajar: porque no han sido muchas y porque cada vez aprendí algo. A veces deja caer una opinión sobre la historia en la que está trabajando, y aunque suele ser una idea de hondo calado, en absoluto improvisada, Iván la deja caer achinando los ojos, como si cometiera una travesura. Iván Aledo es grande, y es uno de los grandes. Ha montado películas de Berlanga, de Médem, de Piñeyro, de Martínez Lázaro. Y ahora está terminando de montar la serie El Príncipe, que esta semana ha estrenado Telecinco (y puedes ver online aquí).

Tengo que decir que para mí ha sido un privilegio trabajar en el equipo de guión de la serie. La compañía no puede ser más talentosa (Aitor Gabilondo como creador y Verónica Fernández, Joan Barbero y Susana Sánchez Carvajal firmando guiones) y el proyecto tiene una envergadura de vértigo. El parto ha sido complicado, cómo no, es una serie cara y la emite un canal privado que necesita amortizarla con un elevado dato de audiencia, así que para llegar a puerto hay que atravesar muchas tormentas. Además, es una serie cuyas tramas van acumulando sorpresas capítulo tras capítulo, de manera que a la vuelta de los cuatro primeros el material es nitroglicerina para el guionista: agítese con precaución.

El trabajo en una serie de televisión es también peculiar para un montador, por el ritmo agotador que se le impone y porque va descubriendo la evolución de los personajes a medida que le llegan a la mesa de edición. Junto a Iván Aledo, en la edición de El Príncipe ha estado Javier Laffaille, además de Enrique DomínguezLouis Trouillet como ayudantes y Rafa Medrano como coordinador de postproducción. Me he permitido robarle un tiempo que no tiene a Iván Aledo para que respondiese a estas preguntas para vosotros. Como era de esperar, os regala generosamente algunas perlas para conservar. Muchas gracias, Iván.

¿Cuál es tu relación con el guión a lo largo de tu trabajo en una película? ¿Sigues todo el proceso, las diferentes versiones? ¿Montas siguiendo el guión, con él delante?

Normalmente me llega el guión de la penúltima versión antes de rodaje y casi empiezo a leer el guión cuando comienza el rodaje no suelo ver ni seguir el proceso hasta llegar ahí, mi visión de el guión es pues la del verbo casi hecho carne.

Cuando trabajas en una serie de televisión, ¿tienes información de lo que va a suceder en la temporada o vas conociendo la serie según te llegan los guiones? ¿No temes desvelar algo o no subrayar algo necesario?

No tengo una información detallada ni oficial de ese tipo de cosas, pero tengo mis “confidentes”, los directores , algún director de producción al que tengo cerca, por no decir encima, a diario. Me gusta que me informen así . . “ creemos que Fran no va a ser tan malo, que tiene su corazoncito, ya verás más adelante”. De alguna manera disfruto manteniendo la misma “inocencia” del espectador. En el fondo mi trabajo consiste en ser uno de los primeros espectadores de la serie.

Hay guionistas que prefieren seguir la trama y guionistas más proclives a seguir al personaje. ¿Cómo sigue un montador al personaje?

Mirándole a los ojos, siempre.

Por regla general, los guiones de televisión tienen mucho más diálogo que en cine. ¿Buscas el silencio o es algo prohibido en televisión?

Los guiones en estas series mandan tanto… Apenas se ruedan silencios, y apenas se montan. Los silencios trato de construirlos al montar planos del que escucha en lugar del que habla, de lo que se ve en lugar del que mira. En esos momentos, como espectador que soy , aprovecho para “distraerme” y pensar en lo que está pasando por encima de lo que se está diciendo. Confío en que los espectadores de verdad hagan algo parecido.

Cuando hablamos no decimos exactamente lo que pensamos ni mucho menos lo que sentimos, en la ficción pasa un poco lo mismo y como en la vida es cuando estamos callados, pensando para nosotros mismos, cuando expresamos casi todo.

Que no salga de aquí pero tengo una hermosa colección de silencios que no monto, que confecciono en mis ratos libres, pocos.

¿Visitas los rodajes, los decorados… o prefieres mantenerte al margen para no contaminar la mirada?

La frecuencia de mis visitas depende de la calidad del catering. Va, fuera de bromas, me encantan los rodajes, no sé cómo hay gente que dice que le parecen aburridos, pero prefiero no ir a los “míos”, no pinto nada allí, no tengo nada que hacer y al rato me pongo muy nervioso. No me hace falta para nada, es incuso mejor para tener la mirada del espectador, la credibilidad de los espacios y de los personajes.

Como ocurre en El Príncipe, cada vez es más frecuente el uso generalizado de fondos digitales. ¿En qué medida complica eso el montaje, y no sólo la técnica, sino también narrativamente?

Bueno, nos vamos acostumbrando. Se rueda y se monta con una idea bastante precisa de cómo van a ser esos fondos, los actores también suelen tener esa información en el momento de rodar y … bueno, no deja de ser una de tantas “mentiras” que usamos en el cine necesarias para contar una verdad.

Como relatos audiovisuales, ¿cuál te parece la diferencia fundamental entre el lenguaje de televisión y de cine?

Quiero creer que no hay ninguna, quiero creer que no hay ninguna, quiero creer que no hay ninguna . . . A ver si así repitiéndolo consigo que sea verdad…

Y que no me cueste un disgusto.

Lo que sí es muy distinto es el lenguaje no tanto de cada secuencia si no el de una narración de más de quince horas, ojalá se conviertan en sesenta, que la mayor parte de los espectadores ve por entregas. Eso sí es diferente, y apasionante de verdad, también en el montaje.

¿Cree que un guionista debe escribir pensando en el montaje (sugerir aperturas de secuencia, precisar cortes, o saltos en medio de una escena…)?

Cuando escribís ya estáis montando, se nota que contáis con ello y me encanta. Cada vez está mas asumido lo que es el montaje en la narración audiovisual y como interactuamos entre nosotros…De alguna manera estamos muy unidos, no sólo por ser “los olvidados” si no por que creo que guión y en cierta medida montaje somos el “alma” de la película. El problema no es sólo que el alma no se vea, si no que incluso se duda de su existencia.

Has leído muchos guiones en tu profesión. Supongo que de estilos muy diferentes. Háblame de esos estilos que te encuentras y de cuáles son tus preferencias.

Thelma Rittwagen decía que había dos clases de guiones, los guiones rimmel y los guiones tornillo, haciendo referencia, creo, a los guiones más literarios o a los más prácticos. A mí me suelen gustar más leer y trabajar con los primeros y más aún con los que tienen “alma”, mucha, los que no hay quien entienda, los imposibles de rodar. Lo malo es que claro, que casi nunca se ruedan.

Yo he tenido la inmensa suerte de estar en unos cuantos de estos, que se han rodado, y de los que han salido magníficas películas, de esas que te hacen entrar en ciertos bares con la cabeza bien alta. Otro día hablamos de ellos, si quieres.

Principe-big


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