BERND LICHTENBERG (I): “COMEDIA Y DRAMA SON SIEMPRE DOS CARAS DE LA MISMA MONEDA”

6 marzo, 2018

Por Àlvar López. Fotografías de Tato Baeza (SGAE).

“Siempre miramos y tomamos como ejemplo a los guionistas norteamericanos, pero no nos damos cuenta de que en Europa tenemos una industria común. Los guionistas europeos tenemos un filón de oro que explotar”. Con estas palabras, el dramaturgo y guionista valenciano Gabi Ochoa daba inicio a “Los retos del guion. Una mirada europea”, ciclo organizado por EDAV con un claro objetivo: permitir a destacados guionistas europeos analizar la actual realidad de su profesión en sus respectivos países.

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Good Bye Lenin! logró 33 premios y otras 19 nominaciones.

El mercado europeo y la necesidad de una industria común.

El primer invitado para abrir el ciclo fue Bernd Lichtenberg, prestigioso guionista alemán conocido a nivel internacional por el largometraje Good Bye Lenin!.

No obstante, antes de dar paso a la Masterclass, el director de CulturArts-IVAC José Luis Moreno Maicas quiso reforzar las palabras de Gabi Ochoa con un claro mensaje. “Los que trabajamos en la industria audiovisual europea debemos mirarnos más entre nosotros con tal de crear un fuerte mercado europeo”. Sobre este aspecto cubrimos hace ahora un año la reunión en Madrid de la Federación de Guionistas Europeos (FSE). La idea de fondo de ambos discursos es sencilla: cuanto más nos cohesionemos, más fuerza tendremos para defender nuestros derechos.

Sobre el contexto de Good Bye Lenin!

José Luis fue también el primer encargado de presentar Good Bye Lenin!. Para él, el éxito del largometraje radica en su capacidad para contar una historia local fácilmente extrapolable a situaciones políticas que se han repetido en innumerables países a lo largo del tiempo. A todos nos habría gustado rodar algo similar con los primeros años de la transición española”, sintetizó al respecto.

Acto seguido, la Vicedecana de Relaciones Exteriores y profesora titular de Filología Alemana de la Universitat de València, Ana R. Calero, contextualizó la vida y obra de Lichtenberg.

Su cine, su mirada, proviene de las décadas más convulsas de la historia de la Alemania reciente. La caída del muro, la disolución de la Unión Soviética y la entrada al sistema capitalista marcaron a varias generaciones de artistas alemanes, entre las que se encuentra Lichtenberg. Por ello, dice Ana, la primera década del siglo XXI fue tan prestigiosa para el cine alemán. A Good Bye Lenin se le suman El Hundimiento, La Vida de los Otros, En Algún Lugar de África, el cortometraje Juguetilandia y el documental La Historia del Camello que llora.

En todas ellas hay algo del cine de Lichtenberg, para el que las mentiras y los secretos de familia suelen ser temas recurrentes tanto en su filmografía como en sus novelas publicadas.

El camino de lo local a lo global.

Ana coincidió con José Luis en destacar que si Good Bye Lenin! pudo llegar a un público tan amplio fue gracias a la capacidad de contar una historia universal. En su opinión, son tres las claves de la película que así lo permitieron:

  1. El sentimiento de pérdida se narra en un tono que pasa varias veces de la tragedia a la comedia, del mismo modo que ocurre en la vida.
  2. La reacción a la pérdida se ve reflejada a través del desgaste de una ideología, de ciertos valores ligados a una vida que ya no puede volver. A este respecto, Ana destacó el concepto Ostlalgie, que hace referencia a la nostalgia por la República Democrática Alemana (RDA), si bien es fácilemente extensible a la nostalgia que sentimos por aquello de que “cualquier tiempo pasado fue mejor”.
  3. Por último, Ana destacó la autenticidad que respira el film, la sensación de estar viendo (y viviendo) una realidad.  Lichtenberg pasó largo tiempo hablando con varios testigos y protagonistas de la época para conseguirlo.

 

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De izquierda a derecha, José Luis Moreno, Ana R. Calero, Bernd Lichtenberg y Gabi Ochoa.

¿De dónde viene una idea?

Llegó el momento esperado, el turno de Lichtenberg. El guionista alemán basó su ponencia en hacer un análisis de ciertos fragmentos de Good Bye Lenin! para reflexionar sobre la escritura de guiones en general.

¿De dónde viene una idea?¿Cuál es la primera piedra que te empuja a escribir un guion? Estas fueron las primeras preguntas que quiso compartir con el público que asistió al evento. Para él, no hay una fórmula que funcione de manera matemática.

“A veces tengo una imagen que me encanta y de ahí saco una historia. Otras veces son personajes principales, otras una constelación de distintas figuras. Otras, la historia de una familia”.

No obstante, Lichtenberg sí que reflexionó sobre el origen de Good Bye Lenin!. Criado en la parte occidental de Alemania, la RDA era un misterio para él hasta que la visitó por primera vez ya cumplidos los 24. Sucedió justo una semana antes de la caída del muro, momento en el que Lichtenberg asegura que se podía notar que estabas ante un sistema que iba a colapsar en cualquier momento.

Luego, en 1990 se mudó a Berlín de manera permanente. Se trataba, según él, de una época en la que era patente que todo iba a cambiar, a crecer. “Era genial ser joven en esa época, era un tiempo festivo, excitante, anárquico, no había reglas claras.” Poco a poco, se dio cuenta que estaba viviendo un momento histórico muy importante, y a partir de ahí lo tuvo claro: tenía que escribir una historia que lo reflejara. Ahora bien, ¿cómo hacerlo?

Cuando Historia e historia se unen.

Lichtenberg escribió el primer tratamiento (hablamos de un documento de unas cuatro páginas) en el 92, donde ya asentó las bases de la historia. No obstante, se la rechazaron varias veces. Por un lado, se dio el caso de que era muy joven. Pero sobre todo, todavía no había directores que contaran este tipo de historias. Woody Allen dice que la comedia es drama más tiempo, y aquí se cumple una vez más: Lichtenberg quería hacer una tragicomedia, pero la distancia con lo sucedido no era todavía suficiente.

No obstante, Lichtenberg asegura que, con perspectiva, que le rechazaran la historia en ese momento fue toda una suerte. Lichtenberg estaba escribiendo sobre un mundo que no conocía bien, por lo que tenía que documentarse a fondo para evitar caer en clichés. Solo después de cuatro años de investigación se atrevió a escribir la primera versión de guion, donde ya tenía algo muy claro: para contar la Historia, debía encontrar a los mejores protagonistas con su propia e interesante historia.

Basta un rápido análisis al film para darse cuenta que la historia de la familia está ampliamente marcada por los acontecimientos históricos. Así ocurre con el trauma infantil de Alex: la huida de su padre a la parte occidental por no sentirse afín al socialismo. Momento que, además, coincide con la llegada al espacio de Sigmund Diend, primer astronauta de la RDA en hacerlo. Su salida de la Tierra coincidía con la salida del país del padre de Alex.

Lo mismo ocurre con el detonante. El coma en el que entra la madre de Alex sucede en el mismo momento que Alex conoce a Lara (detonante de la historia de amor compartida por ambos) y en el que asistimos a la violencia y brutalidad policial de la época en contra de cualquier intento de manifestación.

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Los recursos de guion utilizados en Good Bye Lenin!

Una vez encontrada la historia, Lichtenberg se centró en encontrar la mejor forma de contarla. Para ello, el guionista decidió contar con una Voice Over que pudiera sintetizar la forma de hablar socialista del momento, por un lado, y por otro contar elementos de la Historia y del pasado familiar desde un punto de vista irónico y sin necesidad de recurrir a Flashbacks.

Otro recurso utilizado por Lichtenberg fue el de alargar su primer acto más de lo común. En Good Bye Lenin! el Primer Punto de Giro no llega hasta pasados los 35 minutos de la película, cosa que le permitió contar todo lo que, a su juicio, era necesario para asentar lo que iba a suceder a continuación.

“Debíamos contar la relación histórica exacta, algo que tuve todo el rato presente mientras escribía el guion. Por ello, porque todas las escenas tenían que estar acotadas dentro del marco histórico, decidí hacer un extenso primer acto en el que pudiera acotar sin problemas las coordenadas políticas y sociales del momento. Además, tanto el director como yo veníamos de la parte occidental alemana, por lo que sentíamos una presión extra por no cometer ningún error histórico.”

Lichtenberg también dio mucha importancia a la necesidad de no apegarnos demasiado a nuestros propios guiones, el cual acaba siendo “como un amor, por lo que te cuesta aceptar que alguien pueda recortarlo, herirlo”. No obstante, aseguró que encontrar el ritmo adecuado para cada historia es un recurso imprescindible. “Es necesario mantener la mente abierta en todo momento”, asegura.

Otro de los puntos en los que Lichtenberg quiso hacer hincapié fue en la importancia de elegir bien dónde ocurren las escenas más importantes del film. Para hablar de ello reflexionó sobre el momento en el que Alex se encuentra con su padre por primera vez después de varios años.

La mejor escena es aquella que se escribe pensando en potenciar el conflicto, por lo que la situación y el lugar en el que ocurre son elementos que nunca debemos infravalorar.

Sobre el tema y la trama

Cuando la madre de Alex despierta del coma, la película vive un segundo inicio. A partir de ese momento Alex hará lo necesario para que su madre no se entere del engaño en el que vive. Este primer punto de giro, además, sirve para reflejar el tema que se esconde detrás del film: el mundo cambia constantemente, no espera a que nadie despierte. De un día a otro, la realidad que conocemos y damos por hecha desaparece.

“Primero vive, luego escribe”. El ejemplo de Lichtenberg sirve para reforzar la importancia de que los guionistas hablemos de lo que conocemos. En el caso de Lichtenberg, la pérdida de identidad y el engaño de su generación está presente a lo largo de toda la trama. Primero con los noticiarios que Alex crea para poder explicarle a su madre cambios incomprensibles de otra manera (Coca Cola fue un invento creado por Alemania Oriental), y más tarde cuando descubrimos que la madre de Alex se hizo consciente del engaño en algún momento a lo largo del film: el engañador, por tanto, ha sido engañado.

Además, el engaño presente en la trama nos remite también al tema del film. Es cierto, según Lichtenberg, que en una primera capa Alex hace lo que hace por su madre para protegerla, pero si exploramos más su personaje, si vamos a su construcción psicológica, podemos ver que lo que Alex evita es confrontar la realidad que descubre cuando pasa de la niñez al estado adulto. Alex, como su madre, no quiere despertar.

Sobre el tono

Lichtenberg tuvo muy claro desde el inicio que no le interesaba contar un drama con Good Bye Lenin!, si bien no podía ocultar la tragedia de fondo que hay en el film. Sirva de ejemplo la escena en la que la madre de Alex le revela la verdad de su pasado. Su padre no se fugó, no los abandonó, fue ella la que no se atrevió a dar el paso por miedo.

Esta escena, cargada de dramatismo, se aleja mucho de la comedia que se respira en algunos momentos, sí, pero Lichtenberg tenía claro que lo que requería esta historia era utilizar la comedia situacional, no la de gag. Por tanto, si la comedia viene de la situación, del engaño, necesitaba que el drama oculto en los secretos de familia aflorara en algún momento.

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La Dolce Vita es mi película favorita. En ella, se transporta a un Cristo. Me gusta ver la imagen del busto de Lenin bajo el helicóptero como un homenaje a Fellini.”

Hasta aquí llega la primera parte de la crónica sobre la Master Class de Bernd Lichtenberg. Mañana seguiremos con la segunda y última entrega, en la que podréis encontrar la transcripción de la ronda de preguntas y respuestas que se abrió al final de la clase. Y si queréis complementar, en Twitter podréis encontrar, bajo el hashtag #EDAVsesiones, varios de los titulares que Lichtenberg dio a lo largo de la ponencia del sábado. ¡Hasta mañana!


III ENCUENTRO DE GUIONISTAS: CAPÍTULO DOS

21 octubre, 2013

por Alberto Pérez Castaños. Fotos de Natxo López.

Se acabó. El III Encuentro de Guionistas de Bilbao llegó a su fin con un montón de profesionales del audiovisual repartidos por la ciudad, a altas horas de la madrugada, realizando actividades que no estoy seguro de estar autorizado a describir en este espacio. En cualquier caso, no hubo que lamentar problemas de ningún tipo y todo el mundo regresó a casa como vino: sin deudas con la justicia.

Pero antes de la actividad nocturna se desarrolló el segundo día y último día del Encuentro. Se llevaron a cabo tres paneles: uno dedicado a la convergencia y la transmedialidad, con Daniel Resnich y Julio Garma. Un tan interesante como preocupante debate sobre la reforma de la Ley de Propiedad Intelectual a cargo de los abogados José Luis Domínguez, Tomás Rosón y Pablo Hernández; y el broche final con la absolutamente genial conversación entre Jorge Guerricaechevarría y Enrique Urbizu.

Como en el capítulo anterior, aquí van las frases más destacadas de la jornada:

Panel 4: Convergencia y transmedialidad

Daniel Resnich:

“La fórmula del transmedia es tener una buena narrativa dividida en diferentes soportes”.

“Un guionista transmedia organiza el caos de contenido por cada plataforma narrativa cohesionada”.

“La hibridación de los géneros también puede transmediarse”.

“Montamos el primer concurso de guión transmedia de España y nos llegaron 51 proyectos”.

Julio Garma:

“La clave es crear contenidos de calidad con marcas detrás y que éstas no molesten“.

“Hay que romper el tabú de que el proyecto sea sólo nuestro y tener la capacidad de buscar a las marcas”.

“La serie Are you app? trabaja con Movistar y éstos no se meten en absoluto en los guiones. Tienen libertad absoluta”.

“La fórmula para generar impacto es calidad + frecuencia + largo plazo”.

Si os interesa, el material proyectado en ambas ponencias puede obtenerse aquí.

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Mesa de debate: La reforma de la Ley de Propiedad Intelectual

Tomás Rosón:

“Con la excusa del caso Padawan el Gobierno desmontó el sistema de remuneración por copia privada: de 100 millones a cinco”.

“A consecuencia del nuevo sistema el usuario ha visto muy reducido su derecho a realizar copias privadas de obras protegidas”.

“No sólo han perjudicado a los autores, también a los usuarios, y sin necesidad. La ley anterior ya preveía excepciones”.

“Esta reforma debería haber esperado a ver la directiva europea que se está preparando”.

Pablo Hernández:

“Una entidad de gestión de derechos no es más que un marco institucional para mejorar las condiciones del autor”.

“Lo que ha hecho el legislador es decir que cualquier persona jurídica puede dedicarse a la gestión de derechos de autor. El legislador ha abierto la barrera a la mercantilización de la cultura”.

“El legislador está imponiendo reglas a las entidades de gestión que anulan la voluntad de los socios”.

José Luis Domínguez:

“Lo que está haciendo el Gobierno con los autores es una auténtica aberración”.

“Ahora mismo estamos en el Consejo de Estado y estamos muy preocupados”.

“Mientras debatíamos en el Congreso, el consejo de ministros anuló nuestra petición”.

“Mi hija va a 2º de bachiller, su profesor mandó a la clase unos libros para leer y les dijo que no hacía falta que los comprasen, que él los pasaba por correo. Ella le dijo que eso era ilegal, que se lo había dicho su padre. Él le respondió que su padre era un listillo”.

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Conversación entre Enrique Urbizu y Jorge Guerricaechevarría moderada por Carlos Molinero:

Jorge Guerricaechevarría: “En comedia me ha pasado que esperaba que algo le hiciese gracia al público y no fue así. Y al contrario también. Ver una comedia solo y verla en una sala llena de gente no tiene nada que ver”.

Enrique Urbizu: “Es difícil medir la respuesta del público en un thriller. A veces no sabes si están en tensión o si se han dormido”.

J.G: “Capra grababa el sonido ambiente de las salas donde ponían sus películas, y analizaba la reacción del público minuto a minuto”.

E.U: “Aclarar el tema de la película es la primera gran decisión formal. Yo nunca he cambiado el tema de la película mientras la escribía, pero sí el enfoque”.

J.G: “No me gusta saber el tema de la película cuando la empiezo. Prefiero ver qué me dan la situación y los personajes”.

E.U: “En mi caso, si prefiero saber de qué va la película”.

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J.G: “El germen de la película puede venir de cualquier cosa. Un personaje, una situación, una escena…”.

E.U: “La caja 507 nace de un paisaje. Y en No habrá paz para los malvados llevaba años con Santos en la cabeza”.

J.G: “En los bloqueos llega un momento en el que hay que parar y meter la cabeza en otra cosa. Con el tiempo termina llegando la solución”.

E.U: “Cuando me bloqueo me voy con Mikel al burguer”.

J.G: “Cuando eres joven, te fuerzas a terminar un guión en unos meses. Luego vas aprendiendo a dejar las cosas en barbecho. Hay veces que empeñándote en acabar la historia, la machacas”.

E.U: “Yo soy un guionista tardío; pienso como un director, me cuesta un horror hacer escaletas”.

J.G: “Una escaleta es una herramienta útil porque así es más fácil manipular que el guión”.

E.U: “Nosotros hacemos escaleta pero a corto plazo, para poder seguir escribiendo la historia”.

J.G: “Los diálogos son importantes, pero es algo secundario. Un guionista tiene que pensar en imágenes. Una buena película, si está bien narrada en acciones, puede entenderse sin diálogos”.

E.U: “Es horrible cuando en un guión se lee un ‘vemos’”.

J.G: “La ventaja de trabajar con el director es que vas viendo cómo visualiza la película y eso siempre ayuda a la hora de escribir”.

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E.U: “Tenemos la obligación ética de contar lo que estamos viviendo. Ya vale de contar polladas”.

J.G: “Un productor me dijo: ‘Lo tengo claro. Primero fueron los zombies, después los vampiros. Lo próximo van a ser los ángeles'”.

E.U: “Trabajar sobre hechos reales es como doblar hierro. Porque en los guiones todo tiene un porqué, pero la vida real no”.

J.G: “Los hechos reales pueden ser mucho más inverosímiles que una historia inventada. Ficcionar hechos reales no es hacer un documental. Es utilizar la realidad para contar tu historia”.

E.U: “A veces parece que los periodistas sólo se interesan por el lado negativo y peleón del guionista”.

J.G: “Si recibir caña sirve para incentivarte, se avecina una edad de oro en el cine español”.


III ENCUENTRO DE GUIONISTAS: CAPÍTULO UNO

18 octubre, 2013

por Alberto Pérez Castaños. Fotos de Natxo López.

El III Encuentro de Guionistas se inauguró ayer en el Museo de Bellas Artes de Bilbao con una primera parte que dejó un poco de todo: frases interesantes, debates, buen rollo entre pintxos y búsqueda desesperada de cobertura 3G en los lugares más recónditos de la sala de conferencias ante la ausencia de Wi-Fi, entendiendo por lugar recóndito cualquier otro rincón del Museo que no fuese la propia sala (AKA “El búnker”).

Durante el primero de los dos días del Encuentro se programaron tres paneles, uno dedicado a la invisibilidad del guionista, otro a la situación actual del sector y los retos y oportunidades que dicha situación presenta y un último a la internacionalización de nuestro trabajo.

La idea de este post es condensar cada panel con algunas de las frases más interesantes de sus participantes para destacar los distintos puntos de vista y contrastar sus ideas.

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Panel 1: La (In)visibilidad del guionista.

Albert Plans:

“A los productores de Cataluña les pareció inviable que se nombrase a los guionistas de los proyectos en la prensa”.

“No quieren dar visibilidad a los guionistas porque si la tuvieran pedirían más dinero”.

“En el fondo, somos como un actor secundario”.

“Luchando conseguimos que se pusiera en los proyectos el nombre del director y del guionista con sus currículums”.

Begoña del Teso:

“Los guionistas sois los putos amos”.

“A la gente, cuando va al cine y paga una entrada, lo que le interesa es la historia”.

“Con la progresiva educación del público, vuestros nombres llegarán a ser tan importantes como el del director”.

Sergio G. Sánchez:

“La invisibilidad es un arma de doble filo. A veces es bueno pasar desapercibido para hacer tu trabajo”.

“En EE.UU. la gente se lee los guiones. Aquí nadie lee un guión si no está involucrado en su producción”.

“Todo el trabajo que me llega ahora no es ni por El Orfanato ni por Lo Imposible, sino por dos guiones que tenía en la Black List”.

“Si quieres ser un guionista visible tienes que crearte tú mismo la imagen”.

Kike Maíllo:

“Al final del proceso de producción el trabajo del guionista queda lejos y cuesta acordarse de él”.

“Los guionistas nunca vienen a la sala de montaje. Deberían interesarse más en ello”.

“El secreto de la visibilidad es escribir buenos guiones. Si escribes bien, la industria te reconoce”.

Natxo López:

“La invisibilidad no es un problema de ego, sino de dinero. Que te relacionen con tus éxitos es la llave de próximos trabajos”.

“En tele están empezando a llamar a guionistas para proyectos porque conocen su trabajo”.

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Panel 2: La situación actual del guionista: Retos y Oportunidades.

Pedro Rivero:

“Que la SGAE tenga un guionista de presidente dice mucho del trabajo que hemos realizado desde los colectivos”.

“Si no hiciéramos lo que estamos haciendo desde las asociaciones, no estaríamos donde estamos”.

Xabi Puerta:

“Un productor ejecutivo es un guionista que le ha perdido el miedo a la hoja del Excel y a conjugar los verbos en primera persona del plural”.

“En la sala de montaje es donde aprendes el misterio de lo que funciona y de lo que no en tu guión”.

Fernando Navarro:

“Hay actividades que pueden no tener nada que ver con el guión y que luego hacen nuestro trabajo más placentero. En Hollywood hay más tradición de guionistas que desarrollan actividades paralelas”.

“Trabajar en otras cosas no es conformarse, ayuda a escribir mejor y te salva de los lapsos de espera”.

“Escribir letras de flamenco me hizo ganar autoestima y me relajó de cara a enfrentarme al siguiente guión”.

“Es muy importante ligar y follar. Hay un intra-follar en el mundo del guión”.

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Panel 3: Internacionalización.

Josep Gatell y Teresa de Rosendo:

“Se puede trabajar en Estados Unidos, pero es muy difícil. Está la barrera del idioma y la barrera legal”.

“Los créditos en IMDb ayudan a agilizar el visado de artista”.

“Los grandes estudios tienen programas de formación para becarios, les pagan y los ubican”.

“Es básico tener material propio escrito para que te valoren como guionista”.

“Por sorprendente que parezca, ser español ayuda”.

Jorge Dorado:

“Se puede conseguir manager en EE.UU. De cada diez, uno contesta. Y no hace falta ni irse ni ser bilingüe”.

“Les hace gracia que hables mal inglés. Allí ser europeo mola, es exótico”.

“Se puede. En EE.UU se demandan muchos contenidos, están faltos de ideas”.

José Luis Acosta:

“Hace 5 años, México producía 10 películas al año. Tras las desgravaciones de la cláusula 226 llegan a 110 al año. Se está produciendo muchísimo y cada vez mejor”.

“Si haces una cosa que funcione en Colombia, es posible que a las dos semanas te llamen de México”.

“Valoran al guionista español porque viene de una industria consolidada”

“El idioma es muy importante. Tienes que leer mucho, saber cómo escriben, cómo escuchan y cómo hablan”.

Nacho Faerna:

“Tenemos una industria que no sigue los estándares internacionales. Esto es un handicap importante”.

“Hay que esforzarse en hacerlo cada vez mejor para poder exportar las buenas ideas”.

“Tenemos que ser capaces de que los jóvenes puedan demostrar aquí su talento”.


FIRMAS INVITADAS: 400 GUIONISTAS, 3 DÍAS Y 2 NOCHES

20 octubre, 2011

Juanjo Moscardó se estrena como firma invitada en Bloguionistas para hablarnos del II Encuentro de Guionistas que se celebrará del 4 al 6 de noviembre en Madrid. Moscardó es guionista de series para la televisión valenciana, y en cine su próximo guión lo producirá Fernando Colomo. Además, es presidente de EDAV, la asociación de guionistas de la Comunidad Valenciana, y miembro de la Junta Directiva de FAGA (Foro de Asociaciones de Guionistas Audiovisuales), que convoca el Encuentro junto al sindicato ALMA.

Después del éxito de la primera edición del Encuentro en Valencia, que podéis consultar aquí (noticias aparecidas en los medios), aquí (crónica de Pianista en un Burdel) o aquí (Informe de AbcGuionistas con entrevistas a algunos ponentes), las asociaciones y sindicatos de guionistas hemos hecho una apuesta fuerte para esta II edición. Podéis consultar todo lo relacionado con el programa, los ponentes, descuentos, etc… en el BLOG del II Encuentro donde está toda la información. Yo quería aprovechar para comentaros lo que no pone en el blog y que creo que os puede interesar.

Sesión inaugural I Encuentro de Guionistas (3 de octubre 2010,Valencia)

¿Por qué asistir al II Encuentro de guionistas? El otro día Chon González, un compañero guionista que escribe en Guionistas VLC me tuiteó: “Convénceme para ir al encuentro”. Lo primero que pensé fue: “Qué fuerte tu rollo, que estuviste en el primer encuentro como ponente, cabronazo. ¡Si te lo tengo que explicar a ti…! Como era a través de Twitter sólo le dije: “400 guionistas, 3 días, 2 noches, y mucha tela que cortar”. Le convencí. Y si a él le hacía falta el empujoncito para decidirse, pues a los guionistas que no vinieron creo que conviene que les explique un poco más.

Lo de la tela que cortar es una chorrada para rellenar, pero creo que ilustra de forma correcta lo intensa que será la experiencia.

400 guionistas, pensadlo bien. ¡Juntarnos 400 guionistas! En Valencia hicimos lleno, pero el aforo era de 200 personas y algunos no se pudieron inscribir por falta de plaza… Este año esperamos que no ocurra eso, pero si ocurre será que hemos vuelto a hacer pleno y será una muy buena noticia para el colectivo, que demostrará estar más unido de lo que muchos creen y desean. El año pasado hubo mucho feeling entre todos los que asistieron y de verdad que fueron unas jornadas de las que guardamos un recuerdo entrañable. (Noño, sí; pero es la verdad.)

Muchos de los 200 asistentes al I Encuentro

3 DÍAS de ponencias a cargo de guionistas y profesionales impresionantes (ver el programa), y de debates abiertos a todos los participantes. Muchos de los que estarán como asistentes podrían estar como ponentes, así que se les da a los debates la misma importancia que a las ponencias. El año pasado, por ejemplo, Alberto Macías (coordinador de guiones de la serie Cuéntame) estaba como oyente y este año será ponente. Algunos de los ponentes de este año serán Jorge Guerricaechevarria (Celda 2011, La Comunidad), Oriol Capel (Los quien, Aída), Tatiana Rodríguez (Aguila Roja, 2055), el bloguionista Natxo López (Hispania, Gran Reserva), Paco Cabezas (Carne de neón, Spanish movie), Ana Sanz Magallón (story editor de Bajo las estrellas, El truco del manco), Joaquín Oristrell (Dieta mediterránea, Inconscientes)… y muchos más.

Los guionistas y productores ejecutivos: Ramón Campos (Bambú producciones), Iván Escobar (El barco), Lluís Arcarazo (Salvador) en una de las mesas del Primer Encuentro.

2 NOCHES para la asimilación de conocimientos y terminar de atar cabos de las ponencias… O bien, una buena excusa para tomarse una copa juntos y conocerse mejor. Se comenta que fueron muy divertidas las noches del I Encuentro (yo organizaba, así que estaba demasiado estresado y me fui a desmayarme en la cama), así que si algún asistente las quiere comentar lo hará mejor que yo. Si llega el presupuesto (insisto: SI LLEGA) también incluiremos una copa en un pub por la noche donde invitaremos a otros profesionales del audiovisual: directores, actores, productores,… Además, se hará una gincana para estrechar lazos con los productores… ¡Que no! Es broma, mejor invitarles a un gintonic y así quedamos como señores.

Resaltar también que el precio de la inscripción (50€ para asociados, 100€ para no asociados) incluye la comida tanto del viernes como del sábado. Se hará un cóctel de pie en el mismo sitio donde se celebra el Encuentro a fin de potenciar espacios para que los asistentes y participantes se puedan relacionar. Unos MEETING POINTS en toda regla para practicar el NETWORKING, o como se diga… Otra oportunidad para entablar relaciones profesionales será el COFFE BREAK del sábado a media mañana. Y me dejo ya de anglicismos…

Todas estas actividades intentarán cumplir con dos de los principales objetivos que tienen las asociaciones y sindicatos de guionistas: poner en contacto a los profesionales del guión, y dar visibilidad al guionista y a su obra.

Antes de despedirme quería animaros a participar en el FORO sobre los temas que se tratarán en el II encuentro, y también donde se pueden continuar los debates que surgieron en el Primero.

Y recordaros lo que decía Chico Santamano en su genial post sobre la suerte… o estar. Creo que en este caso, es una suerte el esfuerzo que se ha hecho desde las asociaciones de guionistas para que vosotros podáis estar. Y recordad que estar sólo depende de vosotros, nosotros no podemos hacer más.

¡Saludos y suerte a todos!

PD: ¿Alguna sugerencia para la gincana con los productores?


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