ENTREVISTA A JAVIER GINER

14 abril, 2014

Entrevista y fotos por Alberto Pérez Castaños y Vicente Bendicho Cascant

Javier Giner es el responsable de “El amor me queda grande”, uno de los cortos más potentes del año. Tras participar en Medina del Campo y el Festival de Málaga, donde ha levantado aplausos y críticas excelentes, esta ambiciosa y divertidísima comedia negra protagonizada por niños (Lucía Carballo e Izan Corchero) está lista para comenzar su recorrido por el circuito de festivales. Nuestra recomendación desde aquí es que, si tenéis la oportunidad de verlo, no os lo perdáis. Se trata del tercer cortometraje de Giner tras “Night Flowers” y “Save me” y tiene pendiente de estreno “Puerta a puerta”, que se estrenará en el programa de La 2 “Alaska y Coronas” el próximo 30 de abril. 

Ésta fue la última entrevista que hicimos en el Festival de Málaga, nuestra particular clausura. Sin embargo, todavía tenemos pendientes de publicar dos entrevistas más. A lo largo de esta semana publicaremos una con el guionista de la recién estrenada “Purgatorio”, Luis Moreno. Y, como cierre definitivo al paso de Bloguionistas por el Festival de Málaga, publicaremos una entrevista con el productor Enrique López Lavigne.

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El director y guionista de “El amor me queda grande”, Javier Giner

El amor me queda grande es tu tercer cortometraje, sin embargo, ha sido el primero con el que has entrado en el circuito de festivales…

Sí, con mis dos anteriores cortos, que son los que rodé en Los Angeles, lo único que hice fue subirlos a Filmin y, al menos, gané el Premio del Público con ambos. Pero, hasta este corto, el mundo del cortometraje español no era un territorio que conociese ni por el que me haya movido; curiosamente, en el que me he estado moviendo antes de entrar aquí ha sido en el del largometraje; o bien por “carreteras secundarias” siendo jefe de prensa de películas, o de actores, o incluso como periodista. Esto es lo que he estado haciendo los últimos 15 años. Parece una paradoja pero ahora mismo me defiendo mejor en el mundo del largo que en el del corto. Esta primera incursión en el mundo de los festivales me ha servido, entre otras cosas, para conocer a otros cortometrajistas con mucha carrera detrás, incluso que ya están empezando a dar el salto al largo, algo que me ha parecido bastante chulo.

¿Eres de los que piensa que es un salto natural pasar del cortometraje al largometraje o de los que no tendrían problema en ir alternando el formato?

Pues fíjate, este año, con todo el tema de la crisis y tal, pensaba que iba a ser un año “sencillo” para los cortometrajistas que participábamos en Málaga, porque creía habría escasez de proyectos, y los que hubiese serían con producción escasa, pero me he encontrado con el efecto contrario. Incluso con que gente que hace largos y que ahora está haciendo también cortos. Me he encontrado a Vicente Villanueva, que ya tiene una película y ahora está triunfando con un corto, a Toni Bestard, a Borja Cobeaga, con Democracia… Por lo tanto, mi posición sobre eso es que cada uno tiene que hacer lo que le apetezca hacer, no hay una regla escrita. ¿Que es una putada para los que competimos que haya gente tan experimentada y tan buena? Pues sí, es una putada enfrentarse a Borja Cobeaga, por ejemplo, porque tiene un talento descomunal, pero son las reglas del juego.

Sin embargo, sí que pienso que el salto al largometraje es un salto adelante, pero una vez dado, hacer un corto no me parece un paso atrás. ¿Por qué iba a serlo? Hay gente que escribe novelas y luego escribe relatos. David Foster Wallace escribió La broma infinita que tiene 1000 páginas y lo siguiente que sacó fue un libro de relatos. O Alice Munro, que es premio Nobel y es la gran escritora de relatos cortos. Pienso que eso de que el corto es el primo pobre del largometraje es un concepto que ya suena a viejo.

Más que viejo parece que es muy español, porque mientras que en otros países como EE.UU el corto es un formato respetadísimo, aquí no. Por poner un ejemplo: los nominados al Goya al Mejor Cortometraje no pasan a ser académicos tras la nominación…

Exacto. Otro ejemplo más cercano es que en el Festival de Málaga, la Sección Oficial de largometrajes se pasa en el Teatro Cervantes después de una alfombra roja, mientras que la Sección Oficial de cortometrajes se proyecta en el rectorado de una universidad. Creo que se podría hacer algo mejor… Y por falta de público no es, porque en todas las proyecciones de cortos las salas están llenas, con todas las entradas agotadas. Y también hubo llenos en Medina. La gente disfruta viendo cortos y se debería tener en cuenta.

Hablemos de El amor me queda grande que, pese a que se ha ido de vacío tanto en Medina del Campo como en el Festival de Málaga, está cosechando unas críticas excelentes. ¿Qué conclusiones has sacado de tu paso por ambos festivales?

El balance es muy positivo. Por un lado está el tema de los premios, que parece que si no te llevas ninguno es el armageddon. Dependes de muchas cosas en los festivales: de cuando te programan, del gusto de los miembros del jurado… Hay que aprender que al final los premios no tienen que ver con la calidad. Esto lo hablaba con un cortometrajista, que este año, al ser tan bueno para los cortos, llegado a un cierto nivel de calidad entre dos trabajos los argumentos a favor o en contra para que uno se lleve un premio son puramente subjetivos. Yo, por ejemplo, el Oscar este año se lo hubiese dado a DiCaprio y no porque Matthew McCounaghey esté peor que él o que Bruce Dern, sino porque llegados a un punto de calidad, el plus extra que te lleva a un premio obedece a cosas que no tienen que ver con lo que es el trabajo en sí. Por eso, una de las conclusiones o lecciones que he aprendido es a valorar el paso por festivales de otra manera. A raíz de esto, el balance de El amor me queda grande es muy positivo porque están saliendo cosas preciosas en prensa sobre el corto, todavía no me ha llegado una opinión negativa. Y la respuesta que está despertando en el público es muy apasionada y emocionada, que va más allá del “qué chulo”, y eso me gusta, es un regalo muy bonito. Evidentemente a todos nos gustaría irnos cargados de premios por todos los lados, pero sí es cierto que hay reconocimientos de muchos tipos y, tanto en el paso por Medina como por Málaga me llevo la maleta llena de otro tipo de premios. Y los estoy valorando mucho porque yo soy el primero que piensa que este corto era una locura; se me llegó a decir que era imposible que se hiciera por muchas cosas: que si los niños, que si el tono no se podía mantener, que si era una apuesta muy arriesgada… Por algo me ha costado seis años terminarlo.

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¿Cómo fue la gestación del corto, desde que empiezas a escribir la historia hasta que logras materializarla?

El germen de la historia es muy sencillo. Yo, cuando era pequeño me grababa las películas de La 2, que normalmente eran de cine negro, melodramas en technicolor… Y terminó siendo el cine con el que crecí, a parte de con todas la de la época tipo Gremlins, El arca perdida… Que son las que veía en la sala cuando mi madre me llevaba. Pero la primera educación cinematográfica que tuve fue la de las películas clásicas que me grababa. Entonces, cuando me planteé hacer un corto tenía pensado rendir homenaje a todas estas películas que me hicieron amar el cine.

Respecto a la escritura del guion, desde el principio tenía claro que no quería hacer una babosada nostálgica ni nada por el estilo. Así que se me ocurrió que la mejor manera de hacerlo era algo que tuviese relación con el tema pero sin ser del todo del género. En guion está la regla que funciona muy bien que es la de trabajar por contrastes, así que, lo opuesto de todo lo que conlleva el cine negro, la oscuridad, lo perverso, la mujer demoniaca, el crimen…, era el terreno infantil, es decir, lo angelical, lo puro… Ahí fue cuando dije: “Los protagonistas tienen que ser niños”. Y respecto al tono, pensé: “¿Lo opuesto al cine negro?” Pues la comedia disparatada. Así es como nace el guion. En la escritura y en el rodaje intenté que bebiese de los dos géneros, que hubiese un nivel intermedio, es decir, que no estuvieses carcajeándote pero tampoco acojonado. Que fuese divertido pero a la vez el espectador pensase “esto es una locura”. Esto se consigue gracias al trabajo de los niños, que interpretan los diálogos a la perfección. Son diálogos muy teatrales, muy literarios, y si ellos no estuviesen a ese nivel no se hubiese conseguido ese resultado.

Tras la parte bonita, luego vino lo complicado: la lucha de seis años para producir el corto. ¿Por qué tanto tiempo?

Primero intentamos conseguir financiación por diferentes cauces. Lo presentamos al ICAA y nos lo tumbaron durante tres años consecutivos. Fundé una productora muy pequeñita junto a mis padres y mis hermanos en Bilbao, pedimos la ayuda del gobierno vasco y también la rechazaron tres o cuatro veces. En todos los concursos y ayudas nos lo tiraban para atrás. Y no sólo nos lo echaban para atrás, sino que en los informes que publican con los resultados siempre nos ponían de los últimos, de los peores proyectos, y la verdad es que lo pasé muy mal porque, es que, a todo el mundo de la profesión al que le mandaba el guion, le fascinaba. Así que, después de ver que así no iba a poder financiar jamás el corto y que el crowfunding no lo terminaba de ver tome la decisión de pedir un crédito al banco para producirlo. Es decir, estoy endeudado hasta las trancas ahora mismo.

Una vez tuviste luz verde para empezar a producir el proyecto, ¿cómo te enfrentaste a un rodaje tan particular como este?

La cuestión es que yo tenía claro que el corto tenía que estar rodado como si de una película de los años cuarenta se tratase, es decir, sin ningún movimiento de cámara que no se pudiese haber hecho en esa época. Tanto la planificación como el montaje es cine clásico puro y duro. En ese sentido también quería ir a por el primer plano sostenido de las caras de los niños y quería que ellos fueran capaces de aguantarlo. Y eso, de la única manera que lo íbamos a conseguir era a través de ensayar, ensayar y ensayar. Por eso, invertimos más de dos meses ensayando con los niños. Luego, también tuvimos problemas con el tiempo atmosférico y nos vimos obligados a parar el rodaje durante ocho meses. En realidad éste ha sido un corto especialmente difícil. Esta experiencia, sin embargo, me ha hecho aprender mucho. Y el gran aprendizaje, por encima de todo lo demás, es que nunca se debe tirar la toalla porque de alguna manera siempre hay un camino.

Toda una lección para los que están empezando…

Es que es lo que hay. Siempre llega un momento en el que te preguntas si todo esto vale la pena, pero ¿cuál es la otra opción? ¿Lo guardo todo en un cajón y me lo quedo para mí? Mi madre, que es la típica madre vasca, siempre me decía: “pa’ chula, yo”, y bueno, yo no soy chulo, pero sí soy muy cabezón, por eso creo que en esta vida lo que hay que hacer es perseverar, aunque te encuentres infinidad problemas que te acerquen a desistir. Por ejemplo, cuando tuvimos que parar ocho meses porque no había sol, yo pensé que me moría porque en esos ocho meses los niños igual crecían, o les cambiaba la cara o se mudaban de país… En realidad llegué a pensar que nunca acabaría el corto, pero bueno, llegué a la conclusión de que no podía dejarlo cuando ya había rodado la mitad, con lo que nos había costado. Así, que no había otra opción que aguantar los ocho meses y terminarlo.

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Rodaste en un lugar emblemático como es la Plaza de Oriente de Madrid. ¿Por qué allí?

Fue una localización muy complicada sobre todo a la hora de conseguir los permisos. Yo sabía que había muchos otros parques infantiles más fáciles de conseguir, pero quería el de la Plaza de Oriente en concreto porque todo lo que se ve alrededor, como el jardín con las estatuas de mármol, el palacio real o las farolas de hierro forjado que recuerdan a películas como Perversidad de Fritz Lang, envuelven el corto de cierto halo que inconscientemente nos remite al cine clásico. Si tú trasladas eso mismo a un parque en Vallecas, posiblemente, lo que se verá serán bloques de pisos nuevos, por lo que te viene a la mente es: “Barrio obrero de Madrid”. Por eso creo que, pese a lo que nos costó, la localización finalmente ayuda a definir la identidad del corto.

Has dicho que ensayaste durante dos meses con los niños para conseguir el resultado deseado, pero también habrá un trabajo previo de selección bastante minucioso. ¿Cómo fue el casting?

Yo había visto a Izan Corchero, el niño protagonista, en Intruders de Juan Carlos Fresnadillo, por lo que ya lo tenía en mente. A la que costó encontrar fue a Lucía. Hicimos un casting enorme con Ana Sanz, una directora de casting que trabaja mucho con Nacho G. Velilla, al que se presentaron muchísimas niñas de entre doce y trece años.

Lucía Caraballo, la protagonista, está a un nivel muy alto y es, sin duda, uno de los puntos fuertes del corto, ¿viste claro que el papel era suyo desde la primera audición? ¿Cómo fueron los ensayos con ella?

La verdad es que la primera vez que vi a Lucia Caraballo ya hubo algo en la forma de leer que me llamó la atención. Pero también es cierto que estuvimos dos meses ensayando diecinueve páginas de guion, por lo que desde la primera vez que Lucía leyó el guion hasta que rodamos, cambió muchísimo su interpretación. En este sentido, Lucía hizo un trabajo de actriz sensacional, al alcance de pocos niños. Además, que ella en persona es exactamente lo opuesto al personaje que interpreta, por lo que tiene aún más mérito. Ella es la niña más buena, más cariñosa, más angelical que he visto. En los ensayos, además, veíamos películas de cine clásico como Perdición para que ella aprendiera a moverse como una femme fatale. Esta imitación luego la integró en su actuación y cuando ves el corto, te puedes creer que es Barbara Stanwyck en el cuerpo de una niña. El trabajo que hizo fue realmente espectacular en ese sentido.

Por eso, estoy especialmente orgulloso del trabajo de los actores, porque sé que ellos son muy distintos en la vida real de lo que se ve en la pantalla. A pesar del trabajazo que hicimos, o quizá precisamente por ello, la parte de los ensayos con los chicos es de la que mejores recuerdos guardo. Es la parte que más disfruté.

Después de Medina del Campo y Málaga, ¿cuál es el recorrido que le espera a El amor me queda grande?

Pues todavía no está claro. La distribuidora Freak lo ha mandado a otros festivales y estamos pendientes de las selecciones. Donde nos dejen, donde nos seleccionen, allí iremos. Y ya después a ver lo que pasa. Como soy nuevo en el circuito estoy un poco a “verlas venir”, no sé lo que pasará. Lo que sí sé es que el corto se ha recibido muy bien. He recibido algunas felicitaciones de gente que aprecio y que admiro y estoy muy ilusionado. Por ahora me quedo con eso, y luego, lo que tenga que venir, vendrá. Y espero, por el camino, seguir haciendo amigos como Miguel A. Carmona o Miguel Parra, a los que he conocido en el Festival de Málaga. No sé si es una idea romántica mía pero me da la sensación de que el engranaje éste de cortometrajistas tiene como un punto de generación y es muy importante crear ese tipo de red y hacer piña.

Como has comentado al principio, hasta el momento has tenido una trayectoria peculiar, empezando de lleno en el mundo del largometraje ejerciendo otras funciones. Háblanos de tu carrera y tus inicios.

Desde pequeñito ya tenía claro que quería dedicarme al cine, pero empecé a estudiar empresariales. Por cosas de la vida, acabé la carrera en Nueva Orleans y luego me fui a la aventura a Los Angeles. Allí, empecé a trabajar de ayudante de marketing y distribución en la Metro Goldwyn Mayer. Estuve un año en la MGM y decidí dejarlo y empezar a estudiar cine. En ese tiempo es cuando rodé los dos cortos que colgué en Filmin.

En un momento dado, me llamó Pedro Almodóvar, que estaba buscando un asistente personal, así que vendí todo lo que tenía en Los Angeles y me vine a España. Ésa fue una de esas llamadas que te cambian la vida. Estuve cuatro años en El Deseo, como asistente personal de Pedro y relaciones internacionales en las películas Hable con ella (2002) y La mala educación (2004). Durante esta etapa viví muchos de los momentos más felices de mi vida. Hace dos años, Pedro me llamó para que hiciese la prensa de Los amantes pasajeros (2013) y poco después me llamó Penélope Cruz, de la que soy jefe de prensa actualmente. Además, estos últimos años he escrito sobre cine o literatura en Jot Down, Vanity Fair, Marie Claire, El País… Y todo esto, ahora lo combino con escribir mis cosas.

¿Cómo llevas la “nueva” faceta de director-guionista?

Pues la verdad es que no me considero como tal. Sí, he escrito algunas cosas y las he dirigido, pero “guionista” y “director” son palabras que siento que aún me quedan grandes. Todavía tengo mucho que aprender. Además, considero que un guionista es alguien que vive de escribir guiones, de largo, de corto o de tele, pero vive de eso. Alguien que además, escribe todos los días. Yo he escrito el guion de un corto. Eso no me convierte en guionista, me convierte en un tío que ha escrito el guion de un corto. Y en cuanto a la faceta de director, me pasa lo mismo. Creo que para sentirme director necesito demostrar más cosas.

Pero tú te has formado como director y, además, has estado muy cerca de uno de nuestros directores más importantes, ¿no crees tener ya la suficiente formación?

Claro, con Pedro he aprendido lo que no está escrito y además soy un cinéfilo empedernido, pero creo que hace falta más para ser guionista. Hace poco un amigo me dijo que estaba escribiendo un guion y yo le pregunté si había hecho algún curso o si se había leído algún manual y me contestó: “No, pero he visto muchas películas”. Sí todo el mundo que viera una película de Billy Wilder pudiera escribir como él, el mundo estaría lleno de Billy Wilders, pero no es así. Hace falta algo más que ver cine para convertirte en guionista. En cuanto a la dirección igual. La gente puede creer que por haber estado al lado de Pedro ya me tiene que resultar muy fácil dirigir. Pero no. Por mucho que hayas visto hacer, el verdadero aprendizaje llega cuando vas al set y Pedro no está allí. Ahí es donde tienes que demostrar y donde realmente aprendes.

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FLASHBACK: ¿SOMOS LOS GUIONISTAS ESCRITORES?

28 agosto, 2011

por Ángela Armero.

El otro día conocí a un a escritor joven y talentoso. Entáblamos una conversación cordial y me preguntó que si sólo escribía guiones. No se muy bien cómo, acabé justificándome por no escribir novelas, relatos breves, ni aforismos, ni haikus ni sonetos.

No. Solo guiones, amigo. Pero ahora recordándolo me viene eso de “excusatio non petita, acusatio manifiesta” a la cabeza. Es decir, ¿qué estoy haciendo con mi vida, escribiendo sólo guiones? Le dije que me sentía incómoda escribiendo algo que no fuera eso y que hacía mucho tiempo que no intentaba escribir prosa. Lo del mucho tiempo es relativo. Hace un par de años intenté escribir un “bestseller” (por empezar por algo fácil, vaya –modo ironía on) y lo dejé a las diez páginas. Actualmente no he desechado esa historia, pero si la retomo, será en forma de guión. Pero el joven escritor me dió en un punto débil.

¿Me gustaría escribir novelas?
Sí.
¿Soy capaz?
No lo sé.
¿Sería una escritora de verdad si escribiera otros géneros literarios?

Eso es lo que quiero preguntaros.

Según me dijo un viejo profesor y no es cosa baladí, “escritor es aquel que escribe todos los días”. Según esos parámetros, un periodista también es un escritor, aunque su oficio sea interpretativo más que creativo. Según esos parámetros, un guionista es un escritor. Según esos parámetros, el que apunta el menú a 10,50 en la pizarra del restaurante es un escritor. (Y quien diga que me estoy metiendo con los periodistas: se equivoca. Ni con los pizarreros. O pizarristas.)

Pero luego entras en una librería, con todos esos volúmenes que condensan la LITERATURA así con mayúsculas y tú, que haces un día un culebrón para chavales y otro sketches para una sitcom en una peluquería, sientes que estás en otra galaxia. No, no comparo a los guionistas con Kafka. Digo que somos de otra galaxia mucho, mucho más pequeña.

Supongo que lo que convierte a los escritores de prosa o de poesía en la jet de los creadores literarios es que su obra, terminada en sí misma ya es completa. Un guión sólo es una pieza en un engranaje, un material del que todo el mundo opina y que mucha gente puede cambiar.

Aparte de eso, creo que depende mucho de lo que se escriba y para qué medio. Me imagino que nadie se escandalizaría si digo que Pedro Almodóvar es un gran escritor, pero que sí me mirarían mal si dijera que los autores de Gossip Girl son grandes dramaturgos.

Tan escultor es quien crea “La piedad” como quien modela a Naranjito con arena en la playa. Quizá sea la obra la que permite diferenciar quién es un artista, quién un artesano… y quién un desgraciad@ que debería dedicarse a otra cosa.

¿Qué opináis?

(Publicado originalmente en Bloguionistas el 3 de diciembre de 2010)

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LA CANAL+ AMERICANA

7 abril, 2010

Por Chico Santamano

Miren, yo les prometo que esta semana pensaba seguir con el relato del guión del Príncipe en la guerra de Oriente Medio, pero por culpa de este post de Guionista en Chamberí, NO VOY A PODER. ¡Agradézcanselo a él!

Más que contestar a su réplica (aunque le dedico unas cuantas postdatas) voy a intentar explicarme más y mejor sobre el dichoso tema de la HBO española. Que quién me mandará a mí meterme en estos tinglaos, con lo bien que quedo yo siempre contándoles cotilleos y esas cosas insustanciales. En fin…

Antes de nada, quiero mandar un mensaje a Guionista en Chamberí con “mi voz estupenda”. Guionista en Chamberí, tercer guionista más atractivo de bloguionistas, dos cositas… la primera, espero sinceramente que estés mejor de tu pie. Tengo el corazón encogido por esa extremidad azul avatar. La segunda, si toda la ira de la que eres capaz es la que has volcado en tu post… Yo me caso contigo mañana mismo, pirata.

AL LÍO.

Por supuestísimo que no pretendía que esto pareciera algo personal contra Bovaira o Trueba. Al primero le pondría un ático en Serrano sólo por ser de los pocos productores FINOS DE VERDAD que funcionan en este país, más allá de los recopilasubvenciones de turno. Por otro lado, reconozco que el cine de David Trueba me da mucha pereza, pero es cuestión de gustos, claro. Aún así, ya dije en su momento que era muy fan de “Los peores años de nuestra vida” y hoy añado “La niña de tus ojos” a la lista. Por aquello de acercar posturas y tal… Eso sí, Guionista en Chamberí, me va a perdonar una falta directa. La tele de hoy en día no tiene NADA que ver con lo que se hacía hace 20 años. Lo siento, pero por muy estupendo que fuera “El peor programa de la semana” no me vale como animal acuático.

Para que quede meridianamente claro, me habría dado exactamente lo mismo que hubieran sido estos dos que Pedro Almodóvar (otro ejemplo de cineasta que pinchó en su día junto a Ayaso y Sabroso con “Mujeres”) o Gerardo Herrero. El problema, como bien han apuntado desde la semana pasada nuestros inteligentes lectores, es ese tufillo que desprende esta elección.

Ese tufillo huele a miedo, a inseguridad y sobre todo a “ante la duda, la más tetuda”. Huele a creer que eligiendo a profesionales de un medio con una supuesta calidad y un supuesto prestigio como es el cine, los riesgos serían menores. Pero no riesgos artísticos, ni comerciales…  Apesta a “si me tengo que jugar mi puesto de jefazo, mi cabeza tiene menos posibilidades de salir disparada si ante un fracaso puedo decir: No sé qué pudo pasar… ¡contratamos a los mejores!”.

Y claro que hasta que no las veamos todo esto es hablar por hablar. Ojalá que las series sean maravillosas. Pero lo que realmente espero es que, después de esas, vengan otras muchas más que se ajusten a ese genuino factor de riesgo que es lo que, como espectador primero y profesional después, les demando a los señores de Canal +. Porque HBO no es sólo “Carnivale” o “The Pacific”, también es “Flight of the conchords” y “Curb your enthusiasm”. Series marcianas e innovadoras en su discurso, en su tono, en su fondo y en su forma.

¿Qué pasaría si pescáramos a los chicos de “Malviviendo”, a los “Venga Monjas”, a Raúl Minchinela, a Juan Luis Arsuaga, a Eduard Punset, a Mauro Entrialgo o a Manel Fontdevila y los arropáramos con profesionales de la televisión? ¿No les parece cuanto menos estimulante? Y que nadie diga (que me los veo venir) “quién se iba a abonar a Canal + por esos don nadies”. ¿De verdad creen que alguien se abonaría por el reclamo de una serie creada por David Trueba o una protagonizada por Pepe Sancho y Alicia Borrachero?

(Espero que no me obliguen a aclarar que soy FAN INCONDICIONAL de Alicia Borrachero desde “Periodistas”… que últimamente se la cogen con papel de fumar)

Ante todo, el auténtico espíritu de la HBO, más allá de la superproducción y la factura impecable, es el espíritu de la exclusividad y la alternativa. Si cuando veamos al fin las producciones de Bovaira y Trueba no tenemos la sensación inequívoca de que ninguna de esas dos series las podríamos haber visto en el prime time de Televisión Española… Esta experiencia no habrá merecido la pena.

Sería una (otra) oportunidad de oro perdida, ¿no creen?

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PD: Para todos aquellos que defienden la elección de cineastas de relumbrón con  ejemplos como el de Steven Spielberg con “Urgencias” (entre otras muchas series), seamos serios, que John Wells se puede pillar un mosqueo de mucho cuidado. El Rey Midas tiene prácticamente la misma función que Salma Hayek en el remake yanki de “Betty la fea”. Ya me entienden, ¿no?

PD2: Chamberí, no hacemos “A tortas con la vida”… NOS DEJAN hacer “A tortas con la vida”. ¡Perdonen por creer que podemos hacer cosas mejores!

PD3: En los últimos 20 años se han hecho bastantes más series basadas en novelas de las que usted cree, Chamberí… “Las cerezas del cementerio”, “Entre naranjos”, “Petra Delicado”, “Pepe Carvalho”, “Manolito Gafotas”, “Quart”, “Abuela de Verano”, “Estados alterados”, “Sin tetas no hay paraíso” (sí, qué le vamos a hacer) y según Susana Pérez Alonso… “LA SEÑORA”.

PD4: Y por último, señores de Canal +, sé que a lo mejor no es el momento ideal para decirles esto, pero si me regalan una suscripción de un año me veré esas series con un cariñito especial.

Mucha suerte (en serio).


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